5 BANDAS QUE aliviarán tu apetito hasta que a Maynard le de por publicar algo.

Andaba pensando cómo darle más vidilla al blog y fomentar la participación de la peña. La verdad es que algo que me encanta, y uno de los motivos por los que he retomado esto de escribir sobre música, es dar a conocer o compartir conocimientos musicales, bandas que no conoce ni el tato, otras que merece más reconocimiento del que verdaderamente tienen… todas esas cosas. Obviamente esto es algo bidireccional, yo escribo y trato de recomendar, pero por supuesto que vosotros también podéis recomendarme cosillas si lo estimáis oportuno.

Con el fin de dar a conocer bandas más minoritarias o desconocidas y compartir recomendaciones con vosotros, voy a abrir una serie de posts en los que voy a hablar de 5 bandas que, por A o por B, o no son conocidas o no tienen reconocimiento, o que simplemente me apetece hablar sobre ellas usando alguna referencia o nexo que puedan tener en común.

Pongámonos manos a la obra.

La verdad es que poco puedo decir de Tool que todo el mundo no sepa ya (el interesado, por supuesto), grupo vanguardia del prog y de los sonidos más alternativos de la escena rock mundial, con producciones cuidadas al milímetro y 4 obras maestras ofrecidas al personal, destacando entre todas ellas el 2º y 3er disco (Aenima y Lateralus), de escucha obligatoria para todo aquel que se declare amante de la música en general, y del rock en particular. Como muestra aquí os dejo el que para mí es su mejor tema.

1.- Karnivool.

La primera banda que quiero recomendaros procede del país más afortunado del mundo, pues sus ciudadanos cuentan con todo un continente en área tropical para ellos solos y son solo 30 millones de personas. Aparte de eso cuentan con una de las escenas rockeras más potentes de mundo y con grandes deportistas, escritores, actores, directores de cine... Supongo que será cosa del clima “tropical”, de tener un continente para ellos solos o de vivir rodeados de canguros, koalas o cocodrilos. (Puta envidia me dan, grrr).

La banda se llama Karnivool y hasta el momento ha lanzado dos discos, “Themata” (2007) y “Sound Awake” (2009), con importante repercusión en su país pero totalmente desconocidos conforme nos alejamos del Océano Índico. El primer álbum contiene varios hits potenciales, mientras que el segundo es un tanto menos accesible pues contiene estructuras bastante más complejas. Los dos son grandes discos, y por ello os dejo una canción de cada uno de ellos, el anterior vídeo y éste.

2.- Amplifier.

Ahora nos trasladamos a Manchester con el fin de conocer a la que fue considerada como banda más prometedora del prog británico a mediados de la década y que por problemas con su compañía discográfica no ha podido tener la presencia y repercusión que a ellos les hubiera gustado. El trío comandado por Sel Balamir debutó con un disco homónimo que nos presentó a una banda muy madura y con un sonido con una contundencia fuera de lo normal para contar solamente con tres miembros. Fueron fichados por la discográfica SPV, especializada en prog europeo, la cual al ver que tenía a la gallina de los huevos de oro de su parte intento explotarlos haciéndoles sacar un disco a la carrera, el cual a pesar de tener canciones memorables adolecía de la potencia, honestidad y homogeneidad de su debut.  Tal fue el desencanto que acabaron abandonando la discográfica y actualmente, tras buscarse la vida como buenamente han podido, andan postproduciendo The Octopus, del cual os hablaré en cuanto lo lancen. Dos temas os dejo para que conozcáis a la banda.

Amplifier - Airbourne

Amplifier - Procedures (atención al comienzo del tema, la máquina de escribir se sale)

3.- Rishloo

Algo sucede en Seattle. Es extrañísimo que en una ciudad triste y azotada por el frío de Alaska y las mareas del Pacífico Norte puedan aparecer grupos y más grupos de calidad. Recogiendo el testigo de Queensrÿche, en cuanto a defender el prog se refiere, Rishloo han sabido sacar provecho a provenir de la escena más potente del rock alternativo de los Estados Unidos, siendo mérito totalmente suyo su lenta pero constante progresión en pos de lograr entrar en el top del art-rock yankie. La influencia de Tool es obvia en esta banda, pero con el paso del tiempo han ido desarrollando una personalidad propia que le ha dotado de matices dignos de ser mencionados y conocidos. Os dejo un tema de su último disco, con quizás uno de los mejores títulos que he podido ver.

Rishloo – Turning Sheep into Goats

4.- 30 Seconds to Mars

Que conste que cuando conocí a esta banda no tenía ni idea de quienes eran. No sabía que contaban entre sus filas con una “estrella” del celuloide. Probablemente eso es lo que hizo que me los tomara más en serio que el resto de mortales. La evolución de la banda no me ha hecho mucha gracia que digamos, aparte de su creciente fama entre determinados sectores de la audiencia bastante alejados, en teoría, de los que deberían recorrer atendiendo al sonido del primer disco. Como es obvio, quiero que escuchéis su disco de debut, probablemente de lo más sorprendente que he podido escuchar en toda mi vida, siendo un disco muy bien estructurado, con muchos puntos fuertes y sin puntos flacos. Rock Alternativo de alta escuela con toques progresivo-espaciales, todo un discazo como una catedral.

30 Seconds to Mars - Jupiter

5.- Sou Edipo

No podía dejar de nombrar una banda española en esta lista. Si bien es sabido por todos que Sober en sus inicios eran muy cercanos a Tool, la banda española que en la actualidad mantiene un espíritu más cercano a los americanos son Sou Edipo, quizás no tanto por su la potencia de sus composiciones, ya que jamás se han acercado al metal ni han traspasado la barrera del rock pausado, sino porque son una banda muy experimental con estructuras basadas en el jazz y que obviamente tienen a los protagonistas del post como una de sus bandas de referencia. Su primer disco fue un tanto más convencional, pero su segundo LP es una joya de experimentación musical y espiritual en el que llaman a las cosas por su nombre. Una muestra:

Sou Edipo - Entre tus Pechos

PD: No podía dejar de enlazar una canción que me encanta y que pertenece a Sober, banda española que bien podría haber sido una banda de versiones de los californianos. Lástima que tras el Synthesis firmasen por una multinacional y tiraran por tierra la honestidad de sus 3 primeros discos.

Sober - La Prisión del Placer

PD: En 10 días el menda se pira para Colombia unos mesecitos, así que entre preparativos, el viaje en sí y la aclimatación, creo que voy a tener esto descuidado un mes más o menos. No os olvidéis de mí :)

DESMONTANDO A (nº1): teNPel

Musica española en "En Ataraxia"?? Are you kidding me??

El hecho de que considere bajísimo el nivel general de la música española creo que es algo de dominio público. Siempre que converso con alguien sobre música acaba apareciendo tal afirmación antes o después. El caso es que como de contradicciones está el mundo lleno, voy a intentar desmontar ese axioma con una serie de posts en los que pretendo dar a conocer bandas o discos españoles que creo que merecen ser rescatados de la quema y conocidos por todos nosotros. Voy a intentar hablar de discos o bandas lo más recientes posible, aunque tengo en mente algunos posibles protagonistas un poco más antiguos. El caso es que mi intención es hablar de bandas españolas de calidad y con cierta personalidad propia, pues todos sabemos que es muy típico en la música de nuestro país que se repitan esquemas de sobra practicados por bandas referencia en multitud de géneros. Ardua tarea, pero prometo esmerarme e intentaré sorprenderos tanto como los protagonistas de esta serie me sorprendieron a mí en su momento.

Para abrir la serie voy a hablaros de las producciones de una banda que a pesar de tener 10 años de vida solamente ha dado a luz a un larga duración y cuatro EPs. Corta producción, la verdad, pero una vez escuchéis sus trabajos entenderéis porqué se toman tanto tiempo para editar sus obras: Las trabajan a conciencia. Aparte de esto es una banda que sabe desde el primer momento la importancia de la red de redes y de sus fans. Por ello tienen un muy concurrido myspace, un blog donde narran todas sus noticias, un activo grupo en facebook y, acto de generosidad poco común, regalan todas sus obras en mp3 por descarga directa, cosa que muy pocas bandas se han atrevido a hacer hasta el momento a título personal (podéis acceder a las descargas desde el myspace de la banda).

DESMONTANDO A teNPel.

teNPel mostrándonos su "método silencio"

Este grupo madrileño, del que hoy quiero hablaros, comenzó a moverse en el año 2000 contando con músicos muy jóvenes pero muy reputados dentro de la escena madrileña, como el cantante y letrista Kantz, ex Coilbox (conocida banda de metal alternativo). Este cantante y letrista unió sus cualidades a las de los otros miembros del grupo para dar a luz a una de las mejores bandas del panorama rock/metal del país, y una de las más peculiares por la variedad de estilos que abarca su obra. Tal fue el entendimiento y calidad de sus primeras composiciones que lograron vencer dos veces el concurso Villa de Madrid. De ahí, trampolín para su aparición ante la industria.

La evolución de la banda ha sido continua, llegando a tal extremo que un servidor no sabe que va a encontrarse en su segunda larga duración, el cual parece va a estar listo para finales de año. Sus comienzos fueron cercanos al metal alternativo tan de moda a comienzos de nuestro siglo, eso sí, con un toque muy personal, gracias a la poderosa voz de Kantz y la incorporación de instrumentación étnica árabe y flamenca capaz de crear impactantes y épicas atmósferas. Antes de su debut con el LP “Arete Despierta” (2006), publicaron dos EPs, Maya (2002) y Las Flores del Mal (2004), en los que ya mostraban de lo que eran capaces a pesar de no contar con excesivos medios, cosa que queda patente al oir el deficiente sonido que tiene sobre todo el primer EP.

Finalmente llegó el año 2006 y bajo el brazo les trajo ese pedazo de disco que es “Arete Despierta”, siendo reutilizados y víctimas de un completo lavado de cara varios de los temas que aparecieron en los EPs previos. El disco fue editado por Inferno Recordings, y coproducido por la banda, lo que evidencia que la banda sabía desde el primer momento como quería que sonase el disco.

“Arete Despierta” es un disco potente, lo cual queda claro desde el primer corte llamado “Kalamah”, pero también es bastante variado en lo estilístico. Podríamos definirlo como una mezcolanza entre el metal moderno propio de bandas como Machine Head o Sepultura, aderezado con atmósferas opresivas típicas de Faith no More con altas dosis de sonidos orientales y, atención, folklóricos españoles. El flamenco en este álbum cobra una importancia capital. Obviamente este disco no se acerca a ni mucho menos a la conjunción flamenco y rock del disco "Omega" de Enrique Morente y Lagartija Nick donde el flamenco era el protagonista, pero creo que el disco es toda una referencia en cuanto a fusión estilística. Omega era un disco de flamenco con altas dosis de rock, siendo el primer LP de teNPel un disco de metal moderno con altas dosis de flamenco. El segundo tema del disco ("Historia de cuatro paredes") es una muestra de ello con una importante presencia de guitarras clásicas y ritmos propios del flamenco. 

De todos modos esto no queda ahí, ya que en temas posteriores el flamenco sigue apareciendo de forma continua llegando a cobrar todo el protagonismo en algunos momentos. Sin lugar a dudas, “Arete Despierta” es un disco que suena a España, a Andalucía, a Oriente… todo mezclado dando un resultado interesantísimo y sin parangón en nuestro metal. Es un disco con personalidad propia el cual llega a atraparte para no soltarte. Sin lugar a dudas puede ser la banda más interesante del rock/metal alternativo español del momento junto a Estirpe y Standstill, lo que son palabras mayores. Los puntos destacados del álbum son los temas “Kalamah”, “Historia de cuatro paredes”, “Born to be down” (con un toque hip hop y un final a toda pastilla) y el interludio flamenco “Interludio (llegando al sur)”, aunque ningún corte tiene desperdicio.

Tras el exitoso resultado del primer LP, la banda no se cruzó de brazos y se puso acto seguido a investigar y profundizar en su evolución estilística. Resultado de ello fue el EP “El Método Silencio” lanzado en el año 2007, dejando a las claras que la banda está continuamente buscando nuevas barreras que superar. Este EP está lleno de contrastes. Por un lado nos presentan dos temas de puro rock alternativo que podrían haber reventado las listas de ventas de haber sido firmados por Incubus, Faith no More o System of a Down, y por otro lado nos presentan dos temas con una marcada personalidad que demuestran que estos teNPel son un grupo fuera de lo común. El primero de ellos es “Notas para ti” donde la banda se saca un pepinazo de flamenco rock con una letra increíblemente bien compuesta.

El segundo de ellos es una regrabación de un tema que apareció en “Arete Despierta” llamado “tenpelodio”, basado en un ritmo lento, acústico que acompaña hipnóticamente a la voz de Kantz dando pie probablemente a la mejor canción de la banda. Inspiración e interpretación vocal fuera del alcance de cualquiera.

Como ya he dicho antes teNPel es una banda que no puede estarse quieta, son unos culos de mal asiento. Tal es así que tras ofrecernos un EP tan bueno como  “El Método Silencio” su siguiente paso no fue darnos otro LP sino ofrecernos otro EP para demostrarnos de lo que son capaces de hacer y por donde andan en cuanto a la búsqueda de su sonido. Obviamente este EP ”Una Increíble Verdad” (2009) también lo pusieron gratuitamente a disposición del público y como os podéis imaginar tiene una calidad muy por encima de la media de la música rock española. En una entrevista que ofrecieron a un medio que ahora mismo no recuerdo hablaban de la música que estaban escuchando últimamente y de la cual estaban sacando inspiración. El caso es que cuando escuché en el EP la voz de Kantz, me vino a la mente el cantante de Glassjaw (banda a la que os presentaré en breve) Daryl Palumbo. Mis sospechas quedaron ahí hasta que leí la citada entrevista en la que los miembros del grupo destacaban que uno de los grupos que más escuchaban últimamente era precisamente uno de los proyectos de Daryl, Head Automatica. Para quien no conozca a Daryl, es probablemente uno de los cantantes más versátiles del rock/metal de EE.UU, capaz de lanzar los guturales más rabiosos y de acompañar las bases funks más bailables todo ello pasando por soul, jazz, blues…  en serio, todo un superdotado. El caso es que el hecho de que Kantz se “fije” en este pedazo de cantante deja muy claro que teNPel no tiene pensado anquilosarse ni detenerse estilísticamente. Prueba de todo esto son los tres temas del EP, cada uno con su propia personalidad y gran riqueza estilística, eso sí, alejados esta vez del flamenco y más cercano al rock más vanguardista. De los tres temas quizás destacaría el primero, “La Verdadera Historia”, el cual capta todo aquello que la banda quería ofrecernos con el EP de marras.

En la actualidad la banda está ultimando la composición del que será su segundo y esperando LP del que aún no se sabe título y el cual será lanzado a finales de año. Como he dicho antes, la verdad es que no sé con qué nos van a venir ahora estos chavales, pero estoy seguro de que la espera va a merecer la pena y de que lo que saquen va a ser el disco español del año. Ahí dejo mi apuesta.

The Silent Enigma: La hoja de la guadaña está bien afilada

  Ardua tarea la que se me viene encima. Hablar de forma entusiasta de una obra que genera entusiasmo en uno mismo suele ser muy fácil, pues el factor motivación tiene una importancia exponencial. Sin embargo, puede darse la situación de que aquello que genera entusiasmo lo genere más por la forma que por el contenido. A ver si me explico. Este disco es una maldita obra maestra, lo pienso desde la primera vez que lo escuché, pero en mi escalafón particular de discos de Anathema siempre lo había situado por debajo de Judgement y el resto de discos de la etapa prog. El caso es que pasado el tiempo, y bien madurado el mensaje del disco y sobre todo, su entorno, mi valoración del disco ha subido como la espuma siendo posiblemente el disco de la banda que más me gusta, aunque por razones obvias no el que más escucho, pues hay que tenerlos bien puestos a la hora de enfrentarse a semejante compendio de atroces descripciones del sufrimiento, de la soledad y la desesperanza. 

Pero que Doom eran estos chicos...

 El status que tiene de obra maestra el disco es adquirido en base a como cuenta lo que desea contar. Estamos ante una historia narrada millones de veces, pero el estilo y el realismo (casi naturalismo haciendo alusión literaria ya de paso) convierten a este paseo en uno mucho más macabro aún de lo que podría esperarse al narrarse el sufrimiento que el cónyuge supérstite afronta tras la muerte de su pareja. Es obvio que si no se ha pasado por una situación similar uno no puede ni imaginarse lo que puede suponer tal trago, pero la forma en que lo cuentan Anathema, con ese cocktail de fiereza, fatalismo, calma exasperante, belleza,  impotencia… convierten a este álbum en una experiencia totalmente catártica, llegando a ser una obra de arte que traspasa las barreras de la música para convertirse en una obra interdisciplinar. No es solo una cuestión de acordes, de silencios u otras cuestiones musicales, sino un compendio de sensaciones, poesía, arte visual (aunque la portada no es obra suya), música e interpretación vocal en la que todas esas partes generan un todo que tiene como resultado una sensación totalmente turbadora en el oyente pero que puede resultar siendo adictiva por su enorme belleza y complejidad.

  Mientras preparaba el post y escuchaba pacientemente el álbum, en uno de los blogs que visito con más asiduidad (furiacontralamaquina), María Picassó publicó un post, casualidades :D,  sobre la portada del disco aportando información que yo desconocía totalmente (Aprovecho para agradecer la información y remitir a todo aquel que se haya interesado por el asunto a visitar la web y leer la discusión al respecto de la portada, aunque voy a intentar condensar aquí mis impresiones al respecto).  Según dice María Picassó, la portada del disco es un extracto, corta +zoom +pega el logo de la banda, de un cuadro del pintor inglés Joseph Wright of Derby. (Si visitáis microfuria podréis ver la relación entre el pintor y los ingleses Comus, de los que hablé aquí el mes pasado). En el post se lanzan un par de cuestiones bastante interesantes a las que los comentaristas intentamos dar solución, una referente a si entendemos que las nubes se abren o se cierran en el cuadro original y a si Anathema eligieron este cuadro por la potencia de la imagen o porque además entendían que podía acompañar fielmente al disco por su simbología.

  Personalmente, y tal y como he dicho en microfuria, creo que las nubes se cierran pues probablemente la luz que vemos pasar entre las nubes sea la única luz que podamos ver en los 54 minutos que dura la audición del disco. La portada es básicamente eso, la puerta de entrada a los sentimientos que se intentan plasmar en el álbum, por lo que conforme te acercas al mismo, ese claro en el cielo se va haciendo cada vez más pequeño, acabando por ser absorbido por la oscuridad más absoluta de la mano del primer tema del disco, “Restless Oblivion”. Adryuu (comentarista en microfuria) dice que él lo interpreta al contrario, que el viaje por los infiernos acaba llevándonos a un lugar donde descansar, con paz eterna y serenidad y que se aprecian ciertos claros o lugares donde la oscuridad es al menos, menos densa, lo que viene a decir que el cielo se va abriendo, no cerrando o bien que la luz exterior logra traspasar esa barrera supuestamente impenetrable (amigo, si no estás de acuerdo con mi interpretación de tus palabras dímelo :D). Es otra forma de verlo, pero yo entiendo que la portada no es más que una presentación de aquello que vamos a encontrarnos, por lo que obviamente al principio vemos luz y una vez sumergidos en el disco todo lo que percibimos es oscuridad, y puede que ceniza y olor a tierra mojada. Muy acertadamente dice Adryuu que se ven ciertos claros en el transcurso del disco, zonas menos oscuras, por un lado pueden ser zonas en las que el penitente encuentra la paz, pero también pueden ser simplemente recuerdos de la belleza de la persona a la que acaba de perder y de la luminosidad que significaba su compañía y significa su recuerdo mientras dura el luto. Muchas veces lo mejor de haber sido feliz es precisamente el poder recordarlo, ocasión perfecta para volver a ser feliz momentáneamente reviviendo tiempos pasados, que en este caso sí que fueron mejores. De todos modos como veréis, el fin trágico del disco, al menos el que yo he entendido, acaba por apoyar mi tesis de la oscuridad impenetrable, aunque menos turbadora al final, es cierto.


EL ENIGMA SILENCIOSO

  Una vez analizada la portada ya podemos entrar en materia y meternos en el plano musical. Esta vez no voy a analizar musicalmente los temas destacando sus virtudes y defectos, primero porque todo son virtudes (XD) y segundo porque creo que es muy interesante extraer claramente lo que Anathema pretendían contarnos. De este modo, voy a intentar narrar los hechos que se suceden en la historia del disco en primera persona, dejando los temas enlazados para que podáis usarlos como banda sonora. Es básicamente dejar que la música hable por sí misma. Para finalizar daré mis impresiones sobre lo que ha significado el disco en mi esfera personal.

  Pongámonos en situación. La tragedia acaba de llegar a nuestra vida. Aquella figura deleznable que es San la Muerte, el señor/a de la Guadaña, ha traspasado la línea que separa el mundo de los vivos del mundo de los muertos para llevarse a la persona que amamos, con la que compartimos nuestra vida, nuestro “inamorato”. Obviamente esta puede ser la tragedia más grande a la que una persona normal ha de plantar cara en toda su existencia. Pues bien, esa es la experiencia que Anathema nos cuenta con este disco. “The Silent Enigma”.

  La experiencia de la muerte de un ser amado es un compendio de sensaciones, de sentimientos, a cada cual más oscuro y autodestructivo. Obviamente el primer paso de este viaje llega en el momento en que descubro lo que acaba de acontecer. Cada persona es un mundo y puede actuar de una manera más expresiva o contenida, pero estoy viviendo la mayor de las tragedias, la peor de las realidades. Multitud de sensaciones se agolpan, pelean por invadir mi existencia.  La voz se me quiebra, las lágrimas inundan mis ojos y la furia e impotencia se convierten en compañía en ese fatal momento. El dolor me sume en un (restless oblivion)
  

  La maldita efigie armada con una guadaña ya ha hecho su trabajo, ha venido a nuestro mundo para sumirme en la peor de las situaciones personales. Cuando la muerte llega hay varias víctimas, las directas e indirectas. La muerte no me ha llevado a mí, pero mi agonía va a ser lenta y dolorosa. Intento preparar la primera despedida, proceso en el que los sentimientos afloran y se suceden unos a otros. El momento fatal no para de repetirse en mi mente, parece que la muerte aparte de hacer su trabajo llevándose a su víctima tiene como misión el destrozar mi vida.  La maldita es capaz de controlar mis sentimientos. Mi fortaleza intenta hacerle frente pero no sé si podré aguantar. Preguntas se agolpan en la mi mente. Porqué no a mí? La impotencia y el sufrimiento me colocan en una situación límite. Le ofrezco a la muerte acompañarla en el lugar de mi amada. El frío me invade, un frío que duele, que me destroza por dentro, en el momento en que veo el cadáver vestido con (Shroud of Frost). Después, el silencio. 

  Justo en ese momento, tras asumir lo que acaba de acontecer, es cuando me doy cuenta de que estoy solo, totalmente solo. ¿Dónde ha ido a parar todo lo que hice por ella? ¿Le importa a alguien ahora? Intento vencer a la soledad, pero es en vano.  La maldita canta con una voz heladora, que embauca, que envuelve, que embriaga, me tiene bajo su influjo. Se ha convertido en mi compañera y no me va a dejar evitarlo, quiera o no quiera. Su tacto es dulce, en parte reparador, pero su exceso es amargo, es frío, y su abuso es totalmente nocivo. Necesito deshacerme de su embrujo cuanto antes, no aguanto más sus cantos. (Alone) 

  Estoy viviendo una catarsis. Vivía ajeno a la realidad, sin percibir lo que pasaba a mí alrededor, sin valorar realmente todo lo que tenía, y sobre todo, sin darme cuenta de que todo lo que tenía podía llegar a perderlo de golpe. Así de cruel es la existencia. En el comienzo de nuestras vidas la muerte no existe, jamás pensamos que pueda visitar a algún ser querido o visitarnos a nosotros mismos. Sin embargo, uno de los factores que nos hacen entrar en la edad adulta es precisamente el conocer la existencia de la muerte, que se haya dejado caer cerca de nuestra existencia. Cada vez que la muerte traspasa la frontera entre los dos mundos, el de los vivos y el de los muertos, para llevarse el alma de su víctima, nos vamos haciendo más conscientes de la crudeza de nuestra existencia, siendo parte de la misma el tener consciencia de que el tiempo pasa y el mismo deja heridas en nuestro cuerpo y nuestra mente. Esas heridas provocadas por la muerte reaparecen en forma de recuerdo de tiempos mejores, agravándose en el momento en que llegamos a nuestro (Sunset of age).
 

  Si hay un momento en que la soledad se vuelve trágica, la ausencia se vuelve desgarradora, el recuerdo se vuelve doloroso, es con la caída del sol. El lecho no es lugar para estar solo. El lugar en que dimos rienda suelta a la pasión, a la lujuria, al amor, donde se produjo la comunión de los cuerpos, se ha convertido en el peor sitio donde puedo estar. Recuerdos y más recuerdos de nuevo, todos dolorosos, todos angustiosos. De nuevo la pérdida me martiriza. El hueco que ha aparecido en la lecho cada vez se hace más grande, mi mente viaja entre recuerdos para intentar reencontrarse con nuestro amor, con nuestra pasión, con el sexo, finalmente sucede, pero todo se ve borroso, y deja un regusto amargo en mi boca y un punzante dolor en el bajo vientre. Nauseas como resultado. Navego entre recuerdos intentando seleccionar aquellos que me puedan reconfortar, sin embargo la nave queda a la deriva pues el oleaje es demasiado fuerte, quedando en manos de la tempestad originada.  Y de tan excitantes recuerdos, los cuales duelen más que cientos de puñaladas (nocturnal emission). 

  Obviamente también habrá noches de calma y quietud. Noches en las que pasear discutiendo conmigo mismo. Noches en las que mirar al horizonte intentando ver una señal, estrellas que se muevan, que me permitan ver su silueta, su rostro. Noches en las que cierre los ojos y me de cuenta de que el dolor va remitiendo. Esas noches suelen ser también dolorosas, pero en otro sentido. Puede que llegue a entender que la ausencia de dolor es una señal, señal de que estoy  olvidando, ¿es eso correcto? Jamás, la ausencia de dolor no es más que una muestra de que están sanando las heridas, eso sí, continúo y continuaré solo y sin darme cuenta, se me pasan las horas observando Cerulean Twilights buscando respuestas a todas estas preguntas y sobre todo, no olvidando, eso nunca.

  Va pasando el tiempo. El dolor va siendo menos agudo, recuerdo, no olvido, simplemente estoy superándolo, dando un paso adelante. Eso sí, no pienso dar portazo, jamás.  La noche, momento en que todos los demonios solían visitarme, de pronto es placentera. Lo que antes eran tempestades, agujas clavadas por todo mi cuerpo, dentelladas de locura que desgarraban mi cordura, se ha tornado en paz, en recuerdos de momentos felices, su rostro, su mirada, su sonrisa, su olor… El mar de lágrimas va quedando atrás poco a poco, pero ya no siento que traiciono a mi amada al no sentir ese dolor desgarrador, al contrario, sé que ella no quiere verme sufrir. Sigo sumido en la oscuridad, pero ya no es una oscuridad fría, o es que mi cuerpo ya se ha acostumbrado a su temperatura? Sueño que soy feliz, sueño con ella, parece hasta real. El sueño, an enigma… silent.

  Consciente soy, he superado esto, el dolor y el desánimo ya no me atenazan. Respiro, hecho la vista atrás y recapitulo. Veo sufrimiento, veo un mar de lágrimas, veo cristales rotos, veo desesperanza… Miro hacia delante, que veo? Paz, quietud. ¿A qué precio? A precio de haber olvidado, de no revivir tiempos pasados en mi mente, de no volver a mirar sus fotos, de no volver a leer sus cartas. ¿Merece la pena? La verdad es que moriría en este mismo momento, sólo por poder volver a verla, a sentir su piel caliente, el olor de su cabello, su dulce aliento… (A Dying Wish)

  La sangre corre por mis brazos. No siento dolor, solo paz. El agua en la que estoy sumergido está templada, pero conforme se va tiñendo de color rojo sube su temperatura, se va espesando. El silencio me rodea, pero puedo oír unos latidos, son los míos? Podría ser, pero no noto movimiento en mi pecho. Intento respirar, cada vez me cuesta más, me estoy quedando sin fuerzas. La vista se me va nublando. No siento dolor. La paz me invade. Empiezan a llegar imágenes a mi mente. Su rostro. Cierro los ojos. Los abro. Una Orquídea Negra. Por fin puedo descansar. Junto a ella.

            

    Llega el momento de recapitular. No es un disco sencillo de escuchar, como he dicho anteriormente. Estamos hablando de la obra cumbre del Doom Metal, de uno de los mejores discos de los 90, probablemente de la historia, siendo una obra que traspasa géneros, pues incorpora al Doom elementos propios de otros estilos y sobre todo desarrollando una propuesta con cierto cariz progresivo, siendo este uno de los puntos de los que quería hablar en el post. Estamos ante un disco crucial en la carrera de la banda. Se estaba cociendo algo muy grande, la verdad. Numerosos cambios en la formación iban a acontecer o ya habían acontecido, y todos motivados por desacuerdos musicales con los líderes de la banda. Los hermanos Cavanagh tenían claro el camino a seguir, desmarcarse del Doom, rompiendo el triunvirato e integrarse poco a poco en el rock progresivo, abrazando influencias de Pink Floyd y King Crimson. El caso es que el punto de partida está aquí, en este disco grabado en 1995 con una ambición increíble y dando pie a una de las mutaciones más importantes de la historia del metal, pues entre el Pentecost III, The Silent Enigma y Eternity solamente transcurrieron 3 años, pero las diferencias entre el primer y tercer disco son más que notables, y no solamente por el cambio de vocalista.

Espero que os haya gustado el post. Iba a hacer una introducción sobre el asco que me da el verano y esas cosas, pero viendo que el tema a tratar era demasiado serio, dejaré mi crítica a la España garrula para otro momento.

PD: os dejo un link con las letras de los temas del disco, para que luego os quejéis :P

PD2: Como es habitual, no están todos los temas en goear... qué se le va a hacer...

               

El ROCK, cuestión de Estirpes

El mundo del Rock siempre ha sido una gran familia y todos los rockeros nos autoconsideramos hermanos. Personalmente cada vez que me encuentro con alguien con una camiseta de Led Zeppelin o The Doors me alegro profundamente y hasta a veces le saludo orgulloso, tal y como hacen los ciclistas, moteros o camioneros cuando se encuentran en ruta. El rock es un sentimiento, traspasa las fronteras de la música.

Run to the Hills!!!!!! Run for your Life!!!

El rock normalmente se transmite de padres a hijos, creo que es algo que está claro. No hay mayor orgullo para un padre rockero que su hijo siga sus pasos. Se podría decir que nos consideramos especiales, elegidos, y por supuesto, nos consideramos en continuo peligro, por lo que el nacimiento de un nuevo rockero es tan transcendente como el nacimiento de un lince ibérico en cautividad. Aquel que no entienda esto de rockero tiene poco. ¿Papá, porqué nos gusta el rock?

La familia en el rock siempre ha estado presente. Como he dicho antes, todo padre rockero se preocupa porque sus hijos sigan sus pasos. Ahora bien, ¿Cuántos hijos de rockeros famosos han continuado en el mundo de la música y no han muerto en el intento? La verdad es que han sido muchos, pero las mieles del éxito las han probado muy pocos, eso también es cierto.

Quizás el ejemplo del hijo de rockero más exitoso sea la figura de Jacob Dylan, hijo de Bob Dylan. Obviamente no ha alcanzado la fama del padre, ni su talento, pero los Wallflowers es una banda más que conocida, con canciones cuando menos resultonas.

Otro rockero que tuvo éxito, aparte de un final trágico, fue Jeff Buckley, hijo de Tim Buckley, el cual también falleció de forma trágica. El bueno de Jeff no tuvo excesivo éxito en su momento, aunque pasado el tiempo se ha convertido en toda una leyenda, siendo considerado como el músico más prometedor de su generación, galardón obtenido gracias a Grace, su único disco, y siendo la principal influencia de cantantes archiconocidos como Thom Yorke o Matt Bellamy.

Aqui tenéis al Hijísimo zampándose
 la herencia de su padre.

Jason Bonham también siguió los pasos de su padre John Bonham a la batería, alcanzando tal nivel en el instrumento que ha acabado sustituyendo a su progenitor en las giras de reunión de Led Zeppelin. Tras dejar su exitosa banda de garaje rock, Jason ha acabado siendo uno de los músicos de estudio más valorados de la actualidad.

Sangrante es el caso de Sean Lenon, cuyos padres creo que no es necesario que presente. Tras varios devaneos con el mundo del celuloide, decidió finalmente dejarse llevar por los deseos de su madre y acabó dedicándose a la música. Desgraciadamente no contó con el talento de su padre, pues no tuvo mucho éxito que digamos. Eso sí, colaboró en el superventas de Lenny Kravitz, Mama Said (1991).

Algo que no sabía, pero que he descubierto mientras indagaba en esto de las dinastías en el rock es que en Oasis había presencia de otra gran dinastía, aparte de la de los Gallagher. El batería de la banda no es otro que Zak Starkey, hijo de Ringo Star, el cual recibió clases ocasionales del señor Keith Moon. Debido a esto se le ofreció ser el batería de The Who de forma fija, aunque acabó declinando la oferta por incompatibilidad de agendas, aunque tuvo colaboraciones puntuales.

Dentro del rock español hay muchos menos ejemplos, algunos poco afortunados y basados en el enchufismo (Dikers por ejemplo), y otros muy destacables, como es el caso del grupo que ha motivado el post y esta introducción. 

Supongo que por todos es conocida la banda cordobesa Medina Azahara, máximo exponente de la vertiente del rock progresivo española conocida como el Rock Andaluz. Sinceramente la trayectoria de la banda no me gusta demasiado, pero los primeros álbumnes son muy importantes en la historia del rock español, destacando sobre todo el archiconocido “Paseando por la Mezquita”.

Ole y ole la rata que lleva en la cabeza
papá Martínez XD

El caso es que el señor Manuel Martínez, vocalista y líder de la banda, tuvo un hijo el cual tenía la misma pasión que su padre, la música, y una técnica y capacidades vocales muy superiores a las de su progrenitor. Este chico, conocido como M.Angel Mart, el cual en ningún momento ha querido aprovecharse de la fama se su padre, se reunió con un grupo de amigos allá por los primeros años 90 y decidieron arriesgarlo todo en pos del futuro de su banda, cuyo nombre fue registrado mucho antes de que comenzara la andadura de la misma, y siendo uno de los primeros grupos españoles que apostaron por internet, con página web desde 1996.

Los primeros pasos de la banda fueron lentos pero seguros. Tuvieron importante presencia en su Cordoba natal y en toda Andalucía, ganando diversos concursos y finalmente logrando un contrato discográfico con Avispa, discografía andaluza en la que también estaba Medina Azahara. Fruto de ese primer contrato fue el disco del que quiero hablaros hoy, el cual considero como uno de los mejores discos de debut del rock español de los 90, a pesar de contar con algunos defectos que no permiten que sea considerado como un álbum redondo. 

De todos modos, este “Ídolos de papel” nos presentó a una banda muy madura para ser un grupo novel, con una gran calidad musical y letrística y un gusto exquisito, mezclando la clara influencia del Rock Andaluz con la obra de bandas como Faith no More, siendo ésta el espejo en el que se han mirado Estirpe todo el tiempo.

Estirpe en un fotomatón de 4 metros cuadrados

Con el paso de los años Estirpe han ido evolucionando, pasando estilísticamente por el género del Metal Alternativo en su disco Ciencia y acabando haciendo un Rock Sinfónico y casi progresivo con su última reseña, Buenos días Voluntad, para mí uno de los mejores discos de lo que llevamos de siglo. El único “problema” que le podemos achacar a la banda es que, a pesar de su propuesta rica y original, no han sido capaces de deshacerse de la sombra de Faith no More, cosa que por otro lado es algo más positivo que negativo, pues pocas bandas serían capaces de seguir la estela de la banda de Mike Patton y no morir en el intento.

Lo que es una lástima es que esta banda no haya logrado el reconocimiento que tienen otras, como los anodinos Sober o los horteras Mago de Oz. Ya lo decían KK deLuxe, “pero que público más tonto tengo!!”.

“Idolos de papel” – El “The Real Thing” español.

Corría el año 1997 cuando un grupo de amigos, tras ganar una serie de concursos musicales y firmar un contrato con Avispa, sacaron al mercado un pedazo de disco, el cual parece más propio de una banda con 15 años de andadura que de unos chavales de menos de 20 años y totalmente inexpertos en el mundo discográfico.

La portada es fea con avaricia, todo sea dicho

La obra con la que llegó Estirpe bajo el brazo es un alegato revolucionario, el cual pasados casi 15 años sigue teniendo toda la vigencia posible, estando los temas tratados en las canciones de plena actualidad. Ecologismo, lucha contra la pobreza, critica social y religiosa… todo tiene presencia en el debut de los cordobeses, completando un conjunto con una calidad muy por encima de la media de las bandas rock españolas. Sin embargo no todo es perfecto, la producción es un tanto deficiente por falta de medios económicos, aunque ese “mal” sonido le da al disco un aire setentero que no le viene mal en determinadas canciones. De todos modos, queda claro que la banda buscaba más potencia en la base rítmica de la que finalmente acabaron logrando.

Quizás la comparación con el “The Real Thing” sea un tanto exagerada, pero una vez escuchado el disco es inevitable hacer tal referencia, pues los teclados y la voz de M.Angel Mart huelen a las huestes de Patton que “apestan”.

El disco empieza con un pepinazo rock llamado “Esclavos por nacer”. Nada más comenzar el tema ya se notan las influencias que he citado anteriormente, estamos ante un híbrido de rock andaluz y Faith no More, casando ambas influencias de una forma inmejorable.

El segundo tema comienza lento pero va subiendo de ritmo hasta desatarse en el estribillo. “Noches de duelo (mañana de velos)” es un paseo por la vida de las víctimas de guerras, los cuales mueren de hambre mientras en el primer mundo miramos hacia otro lado. La participación de M.Mart es impresionante en este tema, la verdad que al igual que en el resto del álbum.

“Grietas sobre mi piel” es un tema puramente Faith no More de la primera época. Gran presencia de teclados y un aire funky para dar banda sonora a un alegato al espíritu de la juventud.

Sinceramente el ecuador del álbum muestra un pequeño bajón en cuanto a calidad de los temas, pero los mismos no se hacen nada pesados y pasan de forma rápida y agil. De todos modos en seguida llega el primer hit de la banda para sacarnos de ese mínimo letargo. “Delirios de grandeza” es un tema redondo, tanto que el padre de Mart se empeñó y acabó versionándolo en un disco de Medina Azahara. Buena base rítmica y buenos teclados, eso sí, estando la voz de Mart por encima de todo. Gran letra y grandísimo estribillo. Todo un hit, sin duda.

Tras el temazo anterior el ritmo no decae. “Culto a la vida” mantiene el compás acelerado y la potente base rítmica en otro tema con grandes letras y gran estribillo. Al final no estoy siendo muy crítico con el disco, verdad? Lo siento, pero me es imposible.

Finalmente el disco se cierra con dos temas. El primero de ellos, “Lamento de Traición” es un medio tiempo en forma de Power Ballad con un ritmo totalmente ascendente donde vuelve a destacar el vocalista de la banda, demostrando todo el talento que posee. 

El segundo de los temas que cierran el disco es quizás el más sorprendente por su sonido. Tras pasarse todo el álbum aguantándose las ganas de sonar claramente a la banda de Patton, con el último tema se desata el huracán. La batería y los teclados al comienzo del tema ya lo anuncian, y la guitarra que entra a continuación lo confirma, estamos ante los putos Faith no More. Los pelos se erizan cuando entra la voz de Mart, con un sonido mucho más potente de lo que ha demostrado en el resto del álbum. El ritmo va subiendo hasta que finalmente llega la orgía sonora. Todo un pepinazo más propio de una banda de metal que de una de Rock Andaluz, al final el espíritu joven no puede contenerse más y da rienda suelta a la rabia y ambición propia de esa etapa. Gran broche final para un pedazo de disco. ¿Quién idolatra a quien?

Desgraciadamente no he encontrado links para la mayoría de las canciones, eso me pasa por escribir sobre estas bandas y no hacerlo sobre Lady Gaga y su pu** madre. Espero que os haya gustado lo que hayáis podido escuchar, y sobre todo, me perdonéis por quizás haber sobrevalorado el disco a vuestro a vuestro entender. Sin duda se trata de una rara avis en la historia del Rock español y como tal debería ser conocida por todos. Si os habéis quedado con ganas de más, no dudéis en darle más oportunidades al resto de discos de la banda, pues tras dejar atrás las influencias y sonidos metálicas con el álbum “Inventarse el mundo” han pasado a hacer ROCK, así con mayúsculas, siendo probablemente la banda más innovadora y con más calidad de la escena estatal. Todos sus discos merecen la pena, en serio. Y nada, si no encontráis links para poder escuchar este "Ídolos de papel" decídmelo, haré lo posible para que los encontréis. Un saludo.

Angel Dust - Enlighten the Darkness: Justicia Poética

Tras que me censuraran la primera foto, contrataco
LA CASA DEL DEMONIO 2ª PARTE

  No es la primera vez ni la última que una obra no obtiene el reconocimiento merecido por no haber aparecido en el momento adecuado. Todos sabemos cómo funciona o “funcionaba” la industria discográfica, con independencia del género musical al que nos queramos referir. La música, como cualquier otro negocio en la vida, está controlada por los cuatro poderosos de turno, que se dedican a hacer y deshacer a su antojo, “marcar tendencia” y decir que obras merecen la pena y cuáles no. Todo lo que contradiga a lo marcado por los dueños del sector será siempre obviado o condenado al ostracismo, por mucho que se trate de una obra de gran calidad. En este juego no participan solamente las compañías discográficas y los medios especializados, sino que los dinosaurios de cada una de las escenas se aprovechan de ello con el fin de eliminar la posible competencia. Muchas bandas se jactan de apoyar a bandas noveles cuando es totalmente falso, eligen a su supuesto sucesor, el cual no dará ningún ruido y no les quitará cuota de mercado, mientras que pondrán la zancadilla una y mil veces a todo aquel que pretenda ofrecer una propuesta con calidad e independencia que pueda suponer una amenaza para su hegemonía. En circunstancias como estas, las alternativas que le quedan a las bandas son bastante limitadas, y suelen coincidir siempre con pasar por el aro. Si en un determinado momento está de moda un género, y tienes una banda de música con la que tienes intención de ganarte la vida, más te vale apuntarte a ese género, o de lo contrario la industria, los medios especializados y el público te ignorarán.

  

Angel Dust "pillados" cogiendo níscalos

  Algo parecido a esto es lo que le sucedió a la banda de la que quiero hablar en este post. Venían de hacer Trash/Speed durante los años 80 en Alemania sin tener demasiado éxito, ya que en esos años lo que estaba de moda era el heavy metal de Helloween e Iron Maiden. Tras no obtener demasiado éxito y tener problemas entre los miembros de la banda, acabaron parando la actividad en el año 1990. Los miembros de Angel Dust pasaron a participar en otros proyectos, aunque Frank Baxx y Dirk Assmuth seguían con la intención de resucitar la banda. No fue hasta 7 años después que lo lograron, con el apoyo del hermano de Baxx y varios miembros de uno de los proyectos en que participaron durante la pausa. Su retorno vino de la mano de Century Media y bajo la etiqueta del género de moda en ese momento, el Power Metal, género al que no pertenece ninguno de sus discos, demostrando que esa afirmación no era más que una maniobra comercial de la discográfica, que finalmente ha sido muy negativa para la banda a mi entender. La propuesta musical con la que regresaron mantenía la potencia en las guitarras, más propias del Trash o el Speed Metal, pero con la compañía de elementos nuevos, grandes atmósferas creadas por la importantísima presencia del teclado de Stephen Baxx y sobre todo, estructuras mucho más complejas, lo que rompía totalmente la frontera del Trash/Speed, acercando la banda al Metal Progresivo con tintes góticos. La prensa se apuntó al carro y los denómino como Power Metal, etiqueta totalmente falsa, pues la banda no tenía nada que ver con bandas que reinaban en Europa en ese momento, como Rhapsody o Blind Guardian. Esta denominación supuso un encasillamiento del grupo en la mente del público, lo que en su momento pudo ser beneficioso, pero que con el paso del tiempo ha sumido a la banda en el olvido tras el agotamiento del género. Tras el retorno de la banda en 1997, sacaron al mercado 4 álbumes que fueron mostrando una importante evolución en el sonido del grupo, lo que demostró que no se acomodaron con su propuesta, y teniendo su obra el punto álgido de la mano del álbum del que quiero hablaros: “Enlighten the Darkness”, editado en el año 2000 por Century Media.

VIAJE POR LA OSCURIDAD DE LA GUERRA.

  Tras apasionarme por el disco anterior de la banda, “Bleed” (1999), gracias a soberanos temazos como el homónimo o la suite “Follow me”, no dudé un momento a la hora de lanzarme a comprar el nuevo álbum de la banda nada más llegó a las tiendas. Cuando lo tuve en mis manos pude apreciar dos cosas, primero que el artwork era sobrio pero muy bonito, y segundo, que la banda quería que difundiera su disco como fuera, ya que en la caja del disco, formato digipack, venía dos veces el cd, por lo que me pude permitir el regalar el segundo cd a un amigo. Sinceramente no es la primera vez que me sucedía tal cosa (la 1º vez fue con el “Vulgar Display of Power” de Pantera unos años antes), pero creo que no es un hecho muy habitual y me hizo sentirme afortunado por ello.

  Antes de entrar en materia es bastante importante comentar que el álbum es conceptual y narra la historia del abuelo de los hermanos Baxx, el cual perteneció a un grupo insurgente alemán durante la Segunda Guerra Mundial conocido como ESPERANZO, el cual destacó por ayudar a parte del pueblo judío que vivía en el oeste de Alemania a huir a tierras holandesas. De este modo, las letras reflejan las vivencias y sentimientos del abuelo Baxx durante la gran guerra, constituyendo la obra un alegato antibelicista realmente imponente y cautivador. Ojalá alguna banda española hiciera algo parecido sin recurrir a los tópicos típicos y tratando el asunto de una forma respetuosa y elegante.

  Una vez ya en mi casa y frente al equipo de música, metí uno de los dos cds en el reproductor y esto es lo que sentí:

  El disco comenzó de forma casi atronadora, de la mano del tema más potente en la carrera de la banda, todo un pepinazo de Trash/Speed Metal en el que Dirk Thurisch demostraba que era uno de los mejores cantantes del momento. Pensé, joer, pues esto no tiene nada que ver con Rhapsody, que alguien me explique por qué siguen considerando a Angel Dust como banda de Power Metal (sobre todo tras escuchar temas como el que habría el álbum: “Let me Live”). 

 

  Si el primer tema era bueno, el segundo solo se puede definir de una forma: TEMAZO. En “The One You Are”  las guitarras continuaban siendo Trash pero con sonido bastante moderno en la parte rítmica, rozando casi el sonido industrial, todo esto aderezado con atmósfera oscura creada por los teclados que podría haber sido firmada por Paradise Lost perfectamente. Me atrevo a decir que éste es el mejor tema de la banda y nadie en su sano juicio debería discutirlo. Incluso se atrevieron a meter una parte vocal femenina en el momento más álgido del tema, alucinante. 

  Pasaron dos temas muy buenos, “Enjoy” y “Fly Away” hasta que llegué al siguiente punto destacable del álbum, aunque ningún tema tenía desperdicio, la verdad. “Come into Resistance” comenzó con una melodía un tanto psicodélica creada por los teclados de Baxx, que servía de un interludio de un estribillo más propio del Doom Metal que del Power Metal en el que los “iluminados” encuadraron a la banda. Otro pedazo de canción que rompía toda etiqueta que la industria quiso poner a esta gente.  

  A continuación, y tras un descansito en forma de canción acústica (“Beneath the Silence”) llegó  quizás el momento más épico del disco de la mano de las dos canciones más melódicas. Stephen Baxx y sus teclados tomaron el mando y me presentaron una joya como es “Still I’m Bleeding”, toda una Power Ballad donde también se lucía el cantante Thurisch. La canción iba subiendo en intensidad hasta llegar a otro momento épico al final de la misma.

  Tras la power ballad llegó el tema más gótico del disco, “I Need You”, donde los teclados seguían siendo protagonistas acompañando quizás al mejor estribillo de la obra, que no era poco. Yo no lo pensaba, pero si a estas alturas alguien seguía pensando que Angel Dust eran una banda de Power Metal lo mejor era acudir rápido a GAES y hacerse una revisión auditiva, pues en ese momento la primera consulta era gratuita (ahora creo que también, así que no dejes pasar la oportunidad, si se da el caso).

  Después de estos dos temas, los más melódicos del disco, otro interludio acústico enlazó con otro momento puramente Trash en las guitarras y con unos teclados increíbles.  El estribillo final del tema (“Cross of Hatred”) y muestra que el disco no hacía más que crecer en intensidad y épica.

  Antes del punto final llegó la calma que suele suceder al fin de la batalla. Preguntas retóricas sobre lo que ha significado la guerra para el espíritu del combatiente y el pensamiento de que hay que mirar hacia adelante pero con un ojo puesto en el pasado para que los mismos errores no se vuelvan a cometer. Tras la guerra llega el momento de la catarsis, de crecer y atravesar los “Oceans of Tomorrow”.

  En definitiva, este es un disco muy especial y totalmente desconocido para el público en general. De lo que estoy seguro es que si este “Enlighten the Darkness” hubiese aparecido en el mercado unos años después, estaría en boca de todos, y sobre todo, no habría tenido que cargar con la pesada etiqueta del Power Metal, la cual no le hace ninguna justicia. Por cierto, la banda, tras sacar el “Of human Bondage”en el año 2002 (netamente inferior a este álbum, pero con un espíritu más Trash/Speed), no ha vuelto a editar nada aunque parece que siguen activos. Esperemos que se decidan a regresar, y sobre todo, que sean capaces de sacar un disco a la altura de los de su segunda etapa, seguro que alcanzarán mucho más reconocimiento del que tuvieron en ese momento. Espero que os haya gustado el que para mí, es uno de los mejores discos de lo que llevamos de siglo, y uno de los más valiosos en mi colección.

Comus - First Utterance: "Hilando temas "hilarantes" sin éxito. Fíjate tú."

Hace unos días estuve viendo Anticristo de Lars Von Trier. Sinceramente me pareció una de las películas más estúpidas que he podido ver. Tal hecho se torna gravísimo si tenemos en cuenta que llevo consumiendo cine chorra de serie Z desde mi adolescencia con el único propósito de echarme unas risas, pues la conjunción de lo escabroso, lo chabacano y lo cutre (zombis, casquería y kétchup o chocolate líquido) me hace partirme la caja. El amor por lo estúpido, vamos.

Normalmente el cine gore vive encorsetado según unos principios:

• Lo que puedas hacer con 4 duros no lo hagas con 20, aunque te sobre el dinero.
• La sangre, cuanto menos aspecto de sangre tenga mucho mejor.
• No hace falta una excusa para que haya escenas violentas. La violencia es el resultado, no un medio para alcanzar un fin.
• La violencia no es seria, es una herramienta que “bien” utilizada se convierte en lo más humorístico de la creación artística.
• El cine gore es cutre per se, no por falta de medios o de talento. En esa provocada falta de talento y de calidad es donde reside la gracia.

Estos principios en los que entiendo se basa el cine gore están presentes en Anticristo. ¿Cuál es el problema? Que el payaso de Von Trier pretendía hacer una obra de calidad, y como no supo hacerla le salió lo que le salió, una cinta de serie Z pero con “alma”, bastarda, eso sí, de supuesta obra maestra.

El caso es que el visionado de la película despertó en mí varias reflexiones. La primera es que pienso que Von Trier es el mayor payaso de la escena cinematográfica actual. El pollo se cree Buñuel cuando no es más que un remedo de director de cine gore ochentero con el ego subido. La segunda y de la que quiero hablaros en el post, es que creo haber encontrado la banda sonora ideal para la película, por la temática de la misma, no por su calidad, ya que el disco está muy por encima en cuanto a calidad de lo que cualquier obra del director de los Idiotas pueda estar jamás.

Mientras veía escenas en las que los amantes se mataban a golpes al mismo tiempo que sus zonas pélvicas se enlazaban y contorsionaban un disco me vino a la mente. El maldito bosque donde había granizo de bellotas todas las noches me evocaba sonidos basados en lamentos desgarradores, violines que lloran, percusiones desconcertantes, atmósferas tranquilas que se vuelven caóticas y desembocan en catarsis espirituales… Donde puede uno encontrar algo así? Pues en el First Utterance, primer disco de una pandilla de trastornados llamados Comus, que fue grabado en 1971, el cual puede ser el disco más vanguardista de la historia del rock, y que apuesto que de haber sido conocido en algunos países, habría sido prohibido en un pis pas.

Estos Comus se dieron a “conocer” como la banda soporte del señor David Bowie a finales de los años 60. Creo que eso dice bastante de la catadura artística de estos tipos. Nada mejor que una panda de majaderos para acompañar al camaleón en sus giras. El caso es que todo adjetivo que pueda dar es escaso y nada descriptivo de la realidad. Se trata de una banda casi maldita que solamente sacó dos discos entre los años 1971 y 1974. Después se reunieron hace unos años gracias al empeño del líder de Opeth, Mikael Akerfeldt, el cual es un gran fan declarado de estos ingleses, e hicieron una gira sin mucha repercusión, todo sea dicho.

A la hora de enfrentarse a un disco como éste hay que tener una gran amplitud de miras, es fundamental. Podríamos describirlo como una jam sesión entre dos guitarristas, un percusionista, un bajista, un violinista y un flautista, instrumentos acompañados en todo momento por las voces (por llamarlas de alguna manera) de todos estos trastornados. El producto no tiene nada que ver con lo que se estaba grabando en ese momento en Inglaterra, es como coger el Ummagumma de Pink Floyd y llevarlo al extremo tanto en cuanto a sonido como en cuanto al mensaje del mismo. Estamos ante un disco en el que se relatan violaciones, muertes, estados de locura, bajo una atmósfera no menos inquietante que los mismos mensajes.

Sinceramente no sé muy bien como describir los sonidos que aparecen en el disco, por lo que os enlazo dos de las siete canciones del álbum (el cual hay que escucharse entero) con sus respectivas letras, y os dejo a vosotros mismos que saquéis vuestras conclusiones. Espero que os guste y que sobre todo, no llaméis a un hospital psiquiátrico tras ello para entregaros, ni me delatéis a mí si os da por hacer un suicidio colectivo.

Comus - Diana:

Lust he follows virtue close

Through the steaming woodlands
His darkened blood through bulging veins
Through the steaming woodlands
Aah, aah
Virtue knows he follows softly
Through the steaming woodlands
Travel light the deathly shudder
Down the leafy pathway
Aah, ah, aah, ah
La-la-la-la-la-la
The dim light she comes peering through the forest pines
And she knows by the sound of the baying, by the baying of the hounds
Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Lust cries running with his eyes the white-clad figure fleeting 
Mud burns his eyes but desire burns his mind
Fear in her eyes as the forest grins through the steaming woodlands
Lust now his destroyed with emnity disarmed

Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana

The dim light she comes peering through the forest pines
And she knows by the sound of the baying, by the baying of the hounds
Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Diana, Diana, Diana, Diana... 

Comus - Drip Drip

You dangling swinging

Hanging, spinning, aftermath
Your soft white flesh turns past me slaked with blood
Your evil eyes more damning than a demon's curse
Your lovely body soon caked with mud
As I carry you to your grave my arms your hearse
You stand before me defenceless
Your stare unchanging silent, cold, intense sears my brain

Hey, hey
Drip drip from your sagging lip
Liquid red down your body spread
Your soft breast glistens your deep navel fountains
Your shadow over chair
Your shadow over chair
Your shadow over chair like a 'plane over mountains

Hey drip drip
Hey drip drip
Hey drip dripa
La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa
La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa

In a clearing where the sunrays dance amongst the forest's dense secrets
You will softly rest your pale beauty enshrined by the sweet glade
Your body at peace even the earth will fill the crack where entered my blade
Where entered my blade

La-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa...
Hey hey hey hey...

Yea, shall I cut you down
Yes 'twould be a last physical communion
I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle
I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle
And not hurt you and not hurt you
And not hurt you na-na-na-na-na-na-na-na...
All right now

Drip drip from your sagging lip
Liquid red down your body spread
Your soft breast glistens your deep navel fountains
Your shadow over chair
Your shadow over chair
Your shadow over chair like a 'plane over mountains yea

Hey drip drip
Hey drip drip
Hey drip dripa

La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laaaaaaa