Angel Dust - Enlighten the Darkness: Justicia Poética

Tras que me censuraran la primera foto, contrataco
LA CASA DEL DEMONIO 2ª PARTE

  No es la primera vez ni la última que una obra no obtiene el reconocimiento merecido por no haber aparecido en el momento adecuado. Todos sabemos cómo funciona o “funcionaba” la industria discográfica, con independencia del género musical al que nos queramos referir. La música, como cualquier otro negocio en la vida, está controlada por los cuatro poderosos de turno, que se dedican a hacer y deshacer a su antojo, “marcar tendencia” y decir que obras merecen la pena y cuáles no. Todo lo que contradiga a lo marcado por los dueños del sector será siempre obviado o condenado al ostracismo, por mucho que se trate de una obra de gran calidad. En este juego no participan solamente las compañías discográficas y los medios especializados, sino que los dinosaurios de cada una de las escenas se aprovechan de ello con el fin de eliminar la posible competencia. Muchas bandas se jactan de apoyar a bandas noveles cuando es totalmente falso, eligen a su supuesto sucesor, el cual no dará ningún ruido y no les quitará cuota de mercado, mientras que pondrán la zancadilla una y mil veces a todo aquel que pretenda ofrecer una propuesta con calidad e independencia que pueda suponer una amenaza para su hegemonía. En circunstancias como estas, las alternativas que le quedan a las bandas son bastante limitadas, y suelen coincidir siempre con pasar por el aro. Si en un determinado momento está de moda un género, y tienes una banda de música con la que tienes intención de ganarte la vida, más te vale apuntarte a ese género, o de lo contrario la industria, los medios especializados y el público te ignorarán.

  

Angel Dust "pillados" cogiendo níscalos

  Algo parecido a esto es lo que le sucedió a la banda de la que quiero hablar en este post. Venían de hacer Trash/Speed durante los años 80 en Alemania sin tener demasiado éxito, ya que en esos años lo que estaba de moda era el heavy metal de Helloween e Iron Maiden. Tras no obtener demasiado éxito y tener problemas entre los miembros de la banda, acabaron parando la actividad en el año 1990. Los miembros de Angel Dust pasaron a participar en otros proyectos, aunque Frank Baxx y Dirk Assmuth seguían con la intención de resucitar la banda. No fue hasta 7 años después que lo lograron, con el apoyo del hermano de Baxx y varios miembros de uno de los proyectos en que participaron durante la pausa. Su retorno vino de la mano de Century Media y bajo la etiqueta del género de moda en ese momento, el Power Metal, género al que no pertenece ninguno de sus discos, demostrando que esa afirmación no era más que una maniobra comercial de la discográfica, que finalmente ha sido muy negativa para la banda a mi entender. La propuesta musical con la que regresaron mantenía la potencia en las guitarras, más propias del Trash o el Speed Metal, pero con la compañía de elementos nuevos, grandes atmósferas creadas por la importantísima presencia del teclado de Stephen Baxx y sobre todo, estructuras mucho más complejas, lo que rompía totalmente la frontera del Trash/Speed, acercando la banda al Metal Progresivo con tintes góticos. La prensa se apuntó al carro y los denómino como Power Metal, etiqueta totalmente falsa, pues la banda no tenía nada que ver con bandas que reinaban en Europa en ese momento, como Rhapsody o Blind Guardian. Esta denominación supuso un encasillamiento del grupo en la mente del público, lo que en su momento pudo ser beneficioso, pero que con el paso del tiempo ha sumido a la banda en el olvido tras el agotamiento del género. Tras el retorno de la banda en 1997, sacaron al mercado 4 álbumes que fueron mostrando una importante evolución en el sonido del grupo, lo que demostró que no se acomodaron con su propuesta, y teniendo su obra el punto álgido de la mano del álbum del que quiero hablaros: “Enlighten the Darkness”, editado en el año 2000 por Century Media.

VIAJE POR LA OSCURIDAD DE LA GUERRA.

  Tras apasionarme por el disco anterior de la banda, “Bleed” (1999), gracias a soberanos temazos como el homónimo o la suite “Follow me”, no dudé un momento a la hora de lanzarme a comprar el nuevo álbum de la banda nada más llegó a las tiendas. Cuando lo tuve en mis manos pude apreciar dos cosas, primero que el artwork era sobrio pero muy bonito, y segundo, que la banda quería que difundiera su disco como fuera, ya que en la caja del disco, formato digipack, venía dos veces el cd, por lo que me pude permitir el regalar el segundo cd a un amigo. Sinceramente no es la primera vez que me sucedía tal cosa (la 1º vez fue con el “Vulgar Display of Power” de Pantera unos años antes), pero creo que no es un hecho muy habitual y me hizo sentirme afortunado por ello.

  Antes de entrar en materia es bastante importante comentar que el álbum es conceptual y narra la historia del abuelo de los hermanos Baxx, el cual perteneció a un grupo insurgente alemán durante la Segunda Guerra Mundial conocido como ESPERANZO, el cual destacó por ayudar a parte del pueblo judío que vivía en el oeste de Alemania a huir a tierras holandesas. De este modo, las letras reflejan las vivencias y sentimientos del abuelo Baxx durante la gran guerra, constituyendo la obra un alegato antibelicista realmente imponente y cautivador. Ojalá alguna banda española hiciera algo parecido sin recurrir a los tópicos típicos y tratando el asunto de una forma respetuosa y elegante.

  Una vez ya en mi casa y frente al equipo de música, metí uno de los dos cds en el reproductor y esto es lo que sentí:

  El disco comenzó de forma casi atronadora, de la mano del tema más potente en la carrera de la banda, todo un pepinazo de Trash/Speed Metal en el que Dirk Thurisch demostraba que era uno de los mejores cantantes del momento. Pensé, joer, pues esto no tiene nada que ver con Rhapsody, que alguien me explique por qué siguen considerando a Angel Dust como banda de Power Metal (sobre todo tras escuchar temas como el que habría el álbum: “Let me Live”). 

 

  Si el primer tema era bueno, el segundo solo se puede definir de una forma: TEMAZO. En “The One You Are”  las guitarras continuaban siendo Trash pero con sonido bastante moderno en la parte rítmica, rozando casi el sonido industrial, todo esto aderezado con atmósfera oscura creada por los teclados que podría haber sido firmada por Paradise Lost perfectamente. Me atrevo a decir que éste es el mejor tema de la banda y nadie en su sano juicio debería discutirlo. Incluso se atrevieron a meter una parte vocal femenina en el momento más álgido del tema, alucinante. 

  Pasaron dos temas muy buenos, “Enjoy” y “Fly Away” hasta que llegué al siguiente punto destacable del álbum, aunque ningún tema tenía desperdicio, la verdad. “Come into Resistance” comenzó con una melodía un tanto psicodélica creada por los teclados de Baxx, que servía de un interludio de un estribillo más propio del Doom Metal que del Power Metal en el que los “iluminados” encuadraron a la banda. Otro pedazo de canción que rompía toda etiqueta que la industria quiso poner a esta gente.  

  A continuación, y tras un descansito en forma de canción acústica (“Beneath the Silence”) llegó  quizás el momento más épico del disco de la mano de las dos canciones más melódicas. Stephen Baxx y sus teclados tomaron el mando y me presentaron una joya como es “Still I’m Bleeding”, toda una Power Ballad donde también se lucía el cantante Thurisch. La canción iba subiendo en intensidad hasta llegar a otro momento épico al final de la misma.

  Tras la power ballad llegó el tema más gótico del disco, “I Need You”, donde los teclados seguían siendo protagonistas acompañando quizás al mejor estribillo de la obra, que no era poco. Yo no lo pensaba, pero si a estas alturas alguien seguía pensando que Angel Dust eran una banda de Power Metal lo mejor era acudir rápido a GAES y hacerse una revisión auditiva, pues en ese momento la primera consulta era gratuita (ahora creo que también, así que no dejes pasar la oportunidad, si se da el caso).

  Después de estos dos temas, los más melódicos del disco, otro interludio acústico enlazó con otro momento puramente Trash en las guitarras y con unos teclados increíbles.  El estribillo final del tema (“Cross of Hatred”) y muestra que el disco no hacía más que crecer en intensidad y épica.

  Antes del punto final llegó la calma que suele suceder al fin de la batalla. Preguntas retóricas sobre lo que ha significado la guerra para el espíritu del combatiente y el pensamiento de que hay que mirar hacia adelante pero con un ojo puesto en el pasado para que los mismos errores no se vuelvan a cometer. Tras la guerra llega el momento de la catarsis, de crecer y atravesar los “Oceans of Tomorrow”.

  En definitiva, este es un disco muy especial y totalmente desconocido para el público en general. De lo que estoy seguro es que si este “Enlighten the Darkness” hubiese aparecido en el mercado unos años después, estaría en boca de todos, y sobre todo, no habría tenido que cargar con la pesada etiqueta del Power Metal, la cual no le hace ninguna justicia. Por cierto, la banda, tras sacar el “Of human Bondage”en el año 2002 (netamente inferior a este álbum, pero con un espíritu más Trash/Speed), no ha vuelto a editar nada aunque parece que siguen activos. Esperemos que se decidan a regresar, y sobre todo, que sean capaces de sacar un disco a la altura de los de su segunda etapa, seguro que alcanzarán mucho más reconocimiento del que tuvieron en ese momento. Espero que os haya gustado el que para mí, es uno de los mejores discos de lo que llevamos de siglo, y uno de los más valiosos en mi colección.

Comus - First Utterance: "Hilando temas "hilarantes" sin éxito. Fíjate tú."

Hace unos días estuve viendo Anticristo de Lars Von Trier. Sinceramente me pareció una de las películas más estúpidas que he podido ver. Tal hecho se torna gravísimo si tenemos en cuenta que llevo consumiendo cine chorra de serie Z desde mi adolescencia con el único propósito de echarme unas risas, pues la conjunción de lo escabroso, lo chabacano y lo cutre (zombis, casquería y kétchup o chocolate líquido) me hace partirme la caja. El amor por lo estúpido, vamos.

Normalmente el cine gore vive encorsetado según unos principios:

• Lo que puedas hacer con 4 duros no lo hagas con 20, aunque te sobre el dinero.
• La sangre, cuanto menos aspecto de sangre tenga mucho mejor.
• No hace falta una excusa para que haya escenas violentas. La violencia es el resultado, no un medio para alcanzar un fin.
• La violencia no es seria, es una herramienta que “bien” utilizada se convierte en lo más humorístico de la creación artística.
• El cine gore es cutre per se, no por falta de medios o de talento. En esa provocada falta de talento y de calidad es donde reside la gracia.

Estos principios en los que entiendo se basa el cine gore están presentes en Anticristo. ¿Cuál es el problema? Que el payaso de Von Trier pretendía hacer una obra de calidad, y como no supo hacerla le salió lo que le salió, una cinta de serie Z pero con “alma”, bastarda, eso sí, de supuesta obra maestra.

El caso es que el visionado de la película despertó en mí varias reflexiones. La primera es que pienso que Von Trier es el mayor payaso de la escena cinematográfica actual. El pollo se cree Buñuel cuando no es más que un remedo de director de cine gore ochentero con el ego subido. La segunda y de la que quiero hablaros en el post, es que creo haber encontrado la banda sonora ideal para la película, por la temática de la misma, no por su calidad, ya que el disco está muy por encima en cuanto a calidad de lo que cualquier obra del director de los Idiotas pueda estar jamás.

Mientras veía escenas en las que los amantes se mataban a golpes al mismo tiempo que sus zonas pélvicas se enlazaban y contorsionaban un disco me vino a la mente. El maldito bosque donde había granizo de bellotas todas las noches me evocaba sonidos basados en lamentos desgarradores, violines que lloran, percusiones desconcertantes, atmósferas tranquilas que se vuelven caóticas y desembocan en catarsis espirituales… Donde puede uno encontrar algo así? Pues en el First Utterance, primer disco de una pandilla de trastornados llamados Comus, que fue grabado en 1971, el cual puede ser el disco más vanguardista de la historia del rock, y que apuesto que de haber sido conocido en algunos países, habría sido prohibido en un pis pas.

Estos Comus se dieron a “conocer” como la banda soporte del señor David Bowie a finales de los años 60. Creo que eso dice bastante de la catadura artística de estos tipos. Nada mejor que una panda de majaderos para acompañar al camaleón en sus giras. El caso es que todo adjetivo que pueda dar es escaso y nada descriptivo de la realidad. Se trata de una banda casi maldita que solamente sacó dos discos entre los años 1971 y 1974. Después se reunieron hace unos años gracias al empeño del líder de Opeth, Mikael Akerfeldt, el cual es un gran fan declarado de estos ingleses, e hicieron una gira sin mucha repercusión, todo sea dicho.

A la hora de enfrentarse a un disco como éste hay que tener una gran amplitud de miras, es fundamental. Podríamos describirlo como una jam sesión entre dos guitarristas, un percusionista, un bajista, un violinista y un flautista, instrumentos acompañados en todo momento por las voces (por llamarlas de alguna manera) de todos estos trastornados. El producto no tiene nada que ver con lo que se estaba grabando en ese momento en Inglaterra, es como coger el Ummagumma de Pink Floyd y llevarlo al extremo tanto en cuanto a sonido como en cuanto al mensaje del mismo. Estamos ante un disco en el que se relatan violaciones, muertes, estados de locura, bajo una atmósfera no menos inquietante que los mismos mensajes.

Sinceramente no sé muy bien como describir los sonidos que aparecen en el disco, por lo que os enlazo dos de las siete canciones del álbum (el cual hay que escucharse entero) con sus respectivas letras, y os dejo a vosotros mismos que saquéis vuestras conclusiones. Espero que os guste y que sobre todo, no llaméis a un hospital psiquiátrico tras ello para entregaros, ni me delatéis a mí si os da por hacer un suicidio colectivo.

Comus - Diana:

Lust he follows virtue close

Through the steaming woodlands
His darkened blood through bulging veins
Through the steaming woodlands
Aah, aah
Virtue knows he follows softly
Through the steaming woodlands
Travel light the deathly shudder
Down the leafy pathway
Aah, ah, aah, ah
La-la-la-la-la-la
The dim light she comes peering through the forest pines
And she knows by the sound of the baying, by the baying of the hounds
Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Lust cries running with his eyes the white-clad figure fleeting 
Mud burns his eyes but desire burns his mind
Fear in her eyes as the forest grins through the steaming woodlands
Lust now his destroyed with emnity disarmed

Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana
Diana, Diana, Diana, Diana

The dim light she comes peering through the forest pines
And she knows by the sound of the baying, by the baying of the hounds
Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Diana Diana kick your feet up
Lust bears his teeth and whines
For he's picked up the scent of virtue
And he knows the panic signs

Diana, Diana, Diana, Diana... 

Comus - Drip Drip

You dangling swinging

Hanging, spinning, aftermath
Your soft white flesh turns past me slaked with blood
Your evil eyes more damning than a demon's curse
Your lovely body soon caked with mud
As I carry you to your grave my arms your hearse
You stand before me defenceless
Your stare unchanging silent, cold, intense sears my brain

Hey, hey
Drip drip from your sagging lip
Liquid red down your body spread
Your soft breast glistens your deep navel fountains
Your shadow over chair
Your shadow over chair
Your shadow over chair like a 'plane over mountains

Hey drip drip
Hey drip drip
Hey drip dripa
La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa
La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa

In a clearing where the sunrays dance amongst the forest's dense secrets
You will softly rest your pale beauty enshrined by the sweet glade
Your body at peace even the earth will fill the crack where entered my blade
Where entered my blade

La-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laa...
Hey hey hey hey...

Yea, shall I cut you down
Yes 'twould be a last physical communion
I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle
I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle I'll be gentle
And not hurt you and not hurt you
And not hurt you na-na-na-na-na-na-na-na...
All right now

Drip drip from your sagging lip
Liquid red down your body spread
Your soft breast glistens your deep navel fountains
Your shadow over chair
Your shadow over chair
Your shadow over chair like a 'plane over mountains yea

Hey drip drip
Hey drip drip
Hey drip dripa

La-lalalalaa la-la-la-la-la-la-laa la-la-la-la-laaaaaaa 

Operación Mente Criminal

Esta es la segunda entrada y ya alguno puede que tenga motivos para decirme: tío, se te ve demasiado el plumero, dos entradas de dos con presencia de bandas contestatarias y con discos con mensaje crítico a corrientes de pensamiento conservadoras, claramente impuestas en los tiempos que corren. Pues sí, se me ve el plumero, es algo que no puedo ocultar y estaría perdiendo el tiempo al intentar disimularlo.

Si en la primera entrada Banco del Mutuo Soccorso “desmontaban” (con 40 años de adelanto) las teorías creacionistas que se expanden tan rápidamente en el semillero de especulación del imperio, en esta segunda entrada vamos a dar reflejo a una realidad que ya existía hace 22 años y a la que no es que no se haya puesto solución, sino que la misma se va agravando más y más: “El influjo de los medios de comunicación en la sociedad y el control de las corrientes de pensamiento”.

Antes de analizar un poco la biografía y obra de la banda que nos ocupa, me gustaría hacer una reflexión. Si de algo solemos pecar los seguidores de la música, o del arte en general, es que solemos encumbrar y bajar del trono a artistas en un abrir y cerrar de ojos, muchas veces sin atenernos a razones verdaderamente defendibles. Por todos es sabido que en la actualidad los reyes del rock/metal progresivo son Dream Theater, eso es indiscutible y no es mi intención rebatirlo pues yo también lo pienso. Sin embargo, muchos de los que tienen sueños húmedos si se escuchan el Scenes from a Memory antes de irse a dormir, no saben que 10 años antes la banda de la que quiero hablaros grabó un disco mucho más impactante que el Scenes en la escena del momento, y sobre todo, no saben que éste disco del que hablo es probablemente la fuente de inspiración para la banda de Petrucci, Portnoy y compañía. Obviamente a la hora de valorar ambos discos debemos tener muy en cuenta las características de la época y de la escena musical progresiva, ya que grabar un disco como SFAM fue mucho menos arriesgado en el año 1999 que grabar esta otra obra maestra en 1988, época en la que el Glam y el proto-grunge lo acaparaba todo, y más si pretendemos hablar de una banda oriunda de Seattle. No pretendo establecer una comparación entre ambos discos y que la gente se rasgue las vestiduras ante lo que estoy diciendo, lo que pretendo es que nadie se olvide de que discos como Train of Thought o el propio Scenes from a Memory probablemente no habrían existido si no llega a ser por este legendario OPERATION: MINDCRIME.

Queensrÿche: Unos adelantados a su tiempo.


La escena progresiva en Estados Unidos a comienzos de los 80 era casi inexistente, acababa de pasar la oleada setentera británica y el incipiente Heavy Metal lo acaparaba todo. Solamente Rush, banda que me tengo que empollar en breve, tenía un papel verdaderamente importante, pero desde tierras canadienses.

Si alguien nos pregunta sobre Seattle y qué conocemos de la ciudad, la mayoría de la gente, yo me incluyo, solamente podrá responder tres cosas: Los Seattle Supersonics, el grunge y los movimientos antiglobalización.  Las dos primeras cosas, el equipo de basket y el estilo musical tuvieron su momento de esplendor en los años 90, mientras que el movimiento antiglobalización ha acabado teniendo verdadera relevancia unos años después. Pero y qué sucedía en Seattle una década antes? Mmmm, difícil pregunta, alguien lo sabe? Bueno, pues tirando de wikipedia vemos que en Seattle básicamente lo que se hacía era construir aviones Boeing y pasar un frío del demonio.

En otro orden de cosas más interesantes para  nosotros, a principios de los 80 un grupo de seguidores del Heavy Metal y de Genesis, formaron un grupo con el que grabaron una maqueta llamada “Queen of the Reich”, la que hicieron circular por la escena underground de Seattle. Esta primera grabación tuvo bastante éxito y acabó suponiendo la firma de un contrato con la todopoderosa EMI para estos chavales, encabezados por Geoff Tate, a la postre uno de los mejores cantantes de los últimos 30 años, y por Chris de Garmo, gran guitarrista y principal compositor de la banda. En los primeros pasos de la banda el Heavy Metal era la tónica dominante, pero contaban con un hecho diferenciador que los separaba del resto de grupos del género, unas letras con intensa crítica social y descriptivas de la situación de la juventud de la época, cosa que ha caracterizado a la banda durante toda su carrera.

Se sucedieron los años con una tónica constante hasta que en 1988, y tras dar un importante giro a su labor compositiva, aparecieron con una obra maestra bajo el brazo. Obviamente la banda apuntaba maneras, pero nadie se esperaba la calidad del disco de marras. La crítica especializada tras escuchar el álbum no tardó en denominarlos como los sucesores de Yes, Genesis o King Crimson, situándolos al lado de los abanderados del Neo-Prog, Marillion, como esperanzas de la escena progresiva, siendo las dos bandas el asidero al que muchos se agarraron hasta que llegó el nuevo florecimiento progresivo a mediados de los años 90.

El éxito de la Operación Mente Criminal abrió muchas puertas a la banda, haciéndoles facturar mucho dinero y teniéndolos de gira durante dos extensos años de la mano de bandas como Def Leppard y Metallica. Acabada la gira nuestros chicos volvieron a reunirse y, debido a que continuaban en estado de gracia, se volvieron a sacar otra obra maestra llamada "Empire", con la que su éxito no hizo más que aumentar, siendo un disco muy innovador y vanguardista y con claro mensaje crítico hacia la corrupta sociedad en la que vivían.

En 1994, tras la vorágine de éxito que acababan de vivir, volvieron con otro muy buen disco llamado "Promise Land", el cual es una amalgama de temas metálicos con temas muy melódicos, siguiendo la línea de "Empire". Con este disco volvieron a tener éxito, pero su reinado estaba llegando al final, ya que sus herederos Dream Theater no paraban de ganar seguidores gracias a discos como el inolvidable "Images & Words".

En 1996 trataron dar un golpe de efecto con un disco doble intentando abarcar varios estilos y enriquecer su propuesta. Sin embargo este disco, “Hear in the now Frontier” fue un completo fiasco, ya que mostró a una banda sin ideas claras y poco inspirada. Esto les puso en una situación delicada que acabó significando la marcha del guitarrista Chris de Garmo, que no estaba de acuerdo con los derroteros compositivos que parecía iba a tomar Queensrÿche. La ausencia de éste último acabó de dinamitar la exitosa carrera de la banda hasta ese momento, entrando en una etapa de pobreza compositiva que tuvo su claro reflejo en la popularidad de la banda, siendo su obra totalmente olvidada, en parte por la baja calidad de sus posteriores composiciones y sobre todo, por el “monopolio” que Dream Theater acabó teniendo en la escena progresiva de los Estados Unidos, llevando incluso a la situación de que Queensrÿche fuesen sparring de los amos de la escena durante la gira de presentación de "Tribe", disco grabado en el año 2003.

A pesar de los reveses sufridos, la banda no se dio por vencida y prepararon un golpe de efecto con el que levantar su carrera: La segunda parte del "Operation Mindrime" (2006). Este nuevo disco, participando con colaboraciones como la de DIO, les volvió a colocar en la picota alcanzando niveles de venta y popularidad cercanos a los del año 1997, cosa que les animó para continuar con la banda y fuerzas renovadas. Montaron una gira en que tocaban los dos Operation en directo, la cual fue muy exitosa, sobre todo en comparación con las anteriores.

Su última referencia es “American Soldier” (2009), disco que tengo pendiente en este momento.

Operation Mindcrime: Amor, drogas y muerte.

A la hora de comenzar el análisis de un disco como éste es imposible que no se nos venga a la cabeza un disco como Tommy de The Who. Operation Mindcrime no llega a ser una ópera rock, pero la estructura del álbum es muy parecida y no podemos obviar que los ingleses han influenciado claramente al grupo de Seattle. 

Nos encontramos ante un álbum conceptual en el que el mensaje cobra una gran importancia, debiendo ser tenido en cuenta al mismo nivel que la faceta musical del disco. De todos modos debo aclarar que la historia no es más que un pretexto para criticar la sociedad de finales de los años 80, el control del pensamiento por parte de los mass-media, la corrupción política y la violencia, todo desde un punto de vista de la juventud de la época, víctima de represión moral, religiosa y política.

El protagonista de la función es Nikki, un adicto a las drogas el cual es manipulado por el Dr.X para que perpetre los asesinatos de determinados sujetos dentro del mundo de la política y la iglesia, con el fin de socavar el orden sociopolítico establecido. Sin embargo, la hermana Mary, una monja ex-prostituta,  se convierte en el contrapunto del malo malísimo de la función, sirviendo de apoyo moral y disuasorio para Nikki, intentando hacer entre los dos frente al Dr. X.

En el área musical hay que destacar que estamos ante un disco de rock progresivo, el cual cumple con las características del género pero sin caer en grandes virtuosismos. Las progresiones compositivas en este caso están mucho más basadas en el Hard-Rock que en el Jazz, simplificando la propuesta, pero no por ello haciéndola carente de riqueza y momentos más que interesantes. La influencia del AOR y el Heavy Metal europeo es más que evidente, lo que nos permite encuadrar al disco claramente en su contexto musical, eso sí, no dejando de ser un disco totalmente revolucionario, al menos desde mi punto de vista.

La estructura del disco viene marcada por la introducción que supone “Anarchy-X” y los interludios “Electric Requiem” y “My Empty Room”, que dan paso al tema final “Eyes of a Stranger”. Entre la introducción y el epílogo, nos encontramos ante una colección de canciones que por sí solas valen más que la discografía de muchas otras bandas, una sucesión de singles potenciales que acabaron significando la valoración de este álbum como obra maestra.

El primer tema propiamente dicho es toda una declaración de intenciones. “Revolution Calling” es un cañonazo hardrockero que viene nos avisa de lo que se nos viene encima. De pronto todo se calma por culpa de una llamada telefónica. Sí, es el Dr.X que va a encargar a Nikki que haga su primera misión, la Operación Mincrime está en marcha, siendo el bajo de Eddie Jackson quien marca el ritmo en este momento y apareciendo Pamela Moore por primera vez en los coros en el papel de Mary.

Tras el tema homónimo, el cual nos presenta todo el tinglado en el que el pobre Nikki está metido, llega quizás el momento más metálico del disco: la dupla formada por “Speak” y “Spreading The Disease”, temas muy rápidos en los que destacan sobremanera la voz de Tate y los riffs de De Garmo, y que contribuyen a mostrar la atmósfera decadente en la que se ve envuelto el pobre Nikki.

Tras la dupla metálica llega un momento de “calma” con el que quizás es el tema que más me gusta del disco, The Mission, tema que se abre con unos latidos y unas campanadas de fondo que dan pie a un asesinato perpetrado por Nikki. Este es un tema formado por medios tiempos y una atmósfera oscura que muestra claramente el porqué he hablado del Scenes from a Memory al introducir el disco.

El apoyo moral de Mary se estaba convirtiendo en todo un peligro para la Operación Mente Criminal. El Dr. X se percata de ello y conmina a Nikki a deshacerse de la monja para satisfacer los deseos del manipulador. Nikki se encamina a matar a la monja cuando se da cuenta de que está enamorada de ella y que no es capaz de hacerlo. La banda sonora de este momento suena fatídica y evocadora. Otro gran momento dentro de esta maldita obra maestra.

Nikki comienza a dar muestras de desacuerdo con los planes del Dr.X aunque éste continúa teniendo un as en la manga, la adicción de Nikki. Un tema que parecería sacado de la discografía de Iron Maiden como “The Neddle Lies” y el estribillo más AOR del disco con “Breaking the Silence” nos adentran en el final de la historia de la mano del amor de Nikki por Mary, que da pie al último interludio y al tema que pone el broche de oro a esta pieza de culto: “Eyes of a Stranger”, en el que Nikki se cuestiona como ha sido capaz de hacer todo lo que ha hecho y se prepara para pasar a una nueva etapa en su vida, su estancia en prisión.

Sinceramente éste es un disco que podría dar para escribir una novela de varios volúmenes si entráramos a describir todos los detalles del mismo, las letras, los recovecos compositivos, los niveles de inspiración de los músicos (que alcanzan cotas pocas veces vistas)… No ha sido un análisis fácil de realizar, pues es difícil decantarse por nos detalles u otros, pero creo que era totalmente necesario, pues estamos ante una obra imperecedera y que ha influenciado a numerosas bandas posteriores.  De todos modos no hay nada mejor como dejar a la múscia que hable. Espero que os haya gustado el álbum.

Debido al éxito del disco se editó una colección de videos que ponían imágenes a todos los temas del disco (los cuales podéis encontrar en youtube, con su estética glam, pelos cardados y esas cosas), y su presencia en listas de ventas fue bastante prolongada, logrando incluso la nominación a un premio Grammy, copados en estos momentos por artistuch@s de la talla de Lady Gaga o similares, lo que son las cosas.

Banco del Mutuo Soccorso: Declaración de intenciones

 ¿Qué pasaba en Italia en ese momento?

Nuestro viaje comienza en la Italia de los años 70. La Italia del fascismo encubierto por un régimen democrático emponzoñado. La situación del país italiano no difería mucho de la que se vivía en el resto de países de la Europa Mediterránea. Mientras España y otros países de su entorno aún estaban bajo poderes dictatoriales, en Italia la democracia no era más que una pantomima. Los descendientes de Mussolini hacían y deshacían a su antojo, llegando a cometer actos terroristas y adjudicándoselos a movimientos de izquierda o anarquistas. Las revueltas obreras y estudiantiles eran continuas, pero acababan siendo sofocadas mediante violencia policial y campañas de desprestigio de ciertas corrientes de pensamiento orquestadas desde el gobierno romano. ¿Por qué no se ha destapado tal escándalo dándole trascendencia internacional? Porque los que gobiernan ahora son los mismos que en aquella época. La edad media de los parlamentarios italianos es la más alta de la Unión Europea…

 ¿Quiénes eran Banco del Mutuo Soccorso? 

En ese contexto de violencia, represión y censura se acabaron juntando los hermanos Nocenzi con otros músicos para emprender una nueva y prometedora carrera musical. La ideología política de los Nocenzi, obviamente compartida por el resto de miembros de la banda, fue el origen del nombre del grupo. Se trataba de reflejar la importancia y el valor de tener un lugar donde almacenar las cosas que podrían ser de ayuda para los demás, de ahí el “banco de la ayuda mutua”. La banda se caracterizó por una gran implicación política y activismo ecologista y pacifista, siendo abanderados de la incipiente izquierda del país en los años 70.

El primer disco de la banda fue grabado en 1972 obteniendo buena fama y saliendo de gira acompañando a Rory Gallagher por el país transalpino. Sin embargo, el gran golpe de efecto llegaría muy poco después, la banda se reunió a los pocos meses, aún en 1972, para hacer historia, al menos en la música italiana. Con la idea de hacer una obra conceptual sobre la Teoría de la Evolución de Darwin se encerraron en el estudio, y no salieron de él hasta que tenían bajo el brazo una obra imperecedera, poco conocida fuera de Italia, pero a la altura de las grandes obras de Yes, Pink Floyd y King Crimson (grupo de referencia para la banda): Darwin! Disco que ha motivado la primera entrada en el blog y el cual voy a intentar mostraros ahora mismito.

 DARWIN!: Un paseo por nuestra historia.

Antes de comenzar con el disco debo recordaros que estamos ante un disco del año 1972, grabado con no excesivos medios, con letras cantadas en italiano y con un estilo musical no excesivamente asimilable para no iniciados en el rock. Es más que evidente que para poder apreciar un disco como éste es preciso conocer o al menos apreciar la obra de los grandes del prog, como Pink Floyd o Yes, y sobre todo, no asustarse ante música que pueda sonar "antigua", con influencias del jazz y la música clásica. Si este párrafo no os ha asustado, acompañadme,  apuesto que el disco no os va a defraudar.

  

 

El disco comienza con un tema que podría haber sido banda sonora del viaje del amigo Darwin hacia las tierras australes a bordo del Beagle. Estamos hablando de 14 minutos de continuo balanceo por corrientes marinas y jazzísticas de la mano del teclado de Vittorio Nocenzi, el que a la postre se erige en auténtico protagonista del disco, dando una lección magistral creando atmósferas (Atención al minuto 6 de la canción). Acercándonos al final de este viaje evolutivo, el batería toma el mando marcando el ritmo de esta clase de jazz de altos vuelos. 

 

Tras bajarnos del Beagle toca el ponerse de pie. Este segundo tema trata eso precisamente, la historia del hombre hasta que consiguió alcanzar la postura erguida. Estamos ante una canción que narra momentos oscuros de nuestra historia evolutiva, y precisamente por ello las atmósferas son lóbregas e intensas, creadas por el talento de Vittorio, por supuesto gracias a que tras avances evolutivos tenía libres sus manos pudiendo de ese modo hacer estas muestras de talento. Estamos ante una canción alucinante, la cual podría haber acompañado muchos momentos de la obra del gran Kubrick, 2001: Una Odisea en el Espacio. 

El viaje continúa pasando por terrenos más plácidos y centrados en el jazz y la improvisación llevándonos lentamente a la canción que ejemplifica uno de los sentimientos más arraigados al ser humano, la Rabia.

Acabamos de llegar al ecuador del disco y nos encontramos ante momentos quizás históricos para un género que aún no había nacido, el metal. Probablemente “Cento Mani e Cento Occi” sea tan germen del heavy metal como lo han sido Paranoid de Black Sabbath o Highway Star de Deep Purple. De todos modos me niego a reducir este tema solamente a eso. Se trata de la demostración de quien es el más fuerte en la historia de nuestro planeta, la historia evolutiva, siendo la crueldad y la violencia esenciales para la especie humana, habiéndonos llevado a ser como somos. Estamos ante una demostración de talento magistral, con un final antológico.

 Aquel que piense que esto no puede mejorar se equivoca. Tras la tormenta llega la calma, tras la guerra llega la paz, y tras la violencia y la muerte a los vivos no les queda otra que pararse a lamerse sus heridas y pensar en el futuro de la especie. En este momento es cuando dos genios toman el protagonismo absoluto y destacan sobre el resto de la banda. Nos encontramos con Gianni Nocenzi, el hermanísismo, en el piano y con Francesco di Giacomo, probablemente uno de los mejores cantantes de su época. Quizás sea esta la canción más famosa del grupo, y lo es con todo merecimiento. Cada nota, cada estrofa van creando una atmósfera que no hace sino poner los pelos de punta al oyente. Momento intimista y épico para el recuerdo, sin duda.

El viaje se va acercando a su fin. La tranquilidad se ha convertido en la nota dominante hasta que una voz profética nos despierta del sueño y nos avisa de que las guerras y el odio aún no han terminado para nosotros:

“Gloria a Babele

rida la Sfinge ancora per millenni

si fabbrichi nel cielo fino a Sirio

schiumino i cavalli sulla Via Lattea

ma...Quanta vita ha ancora il tuo intelletto

se dietro a te scompare la tua razza ?” 

  

El final del viaje nos es más que un nuevo comienzo. Si un hecho importantísimo para nuestra historia evolutiva fue el ponernos de pie y liberar las manos, otro hecho tan importante y que nos permitió un desarrollo muy rápido fue el descubrimiento de la rueda. Para ello hubo que trabajar en el taller aporreando materiales. Una vez tuvimos el invento en nuestras manos e inventamos la mecánica, todo iba a ir sobre ruedas, o no?

[...Espero que os haya resultado interesante la primera entrada. Me gustaría haber podido enlazar todas las canciones con goear, pero estamos hablando de un disco que ni conoce ni tiene casi nadie. Es una lástima que en los videos de youtube la calidad sonora sea bastante inferior.

Un saludo a todos...]