Bienvenidos a Ataraxia

  Tras el fallido proyecto bloguero de 2007, por abandono, y viendo que ahora tengo mucho más tiempo libre que en mi etapa universitaria, he decidido resucitar este bonito proyecto sobre crítica y opinión sociopolítica y divulgación musical, dando especial protagonismo a mi género musical favorito, el rock progresivo.

lunes, 15 de agosto de 2011

Una de Obituarios: Vic Chesnutt, DIO y Gary Moore


La muerte es lo único que no tiene solución en esta vida. Enfermedades, vicios, adicciones, el paro, el hambre, la soledad… todos estos problemas se tornan insignificantes cuando la muerte viene de visita. Afortunadamente, no he tenido la desgracia de que ninguna  de estas malas compañías hayan venido a visitarme en mis cortos 29 veranos, pero sí ha habido algunas visitas de la señora de la guadaña que me han entristecido sobremanera.

La muerte de Cobain me fue indiferente.
Yo andaba en otros menesteres.
Para muchos la muerte de Kurt Kobain fue un shock. Por aquel entonces yo contaba con 13 años y sinceramente creo que ni me enteré en su momento. Bastante tenía con pensar en darle cuatro patadas a un balón y empezar a descubrir cierta parte de mi anatomía. Pasados los años, la muerte de Kurt Kobain sigue sin importarme, no fue un referente para mí en vida y tampoco lo fue tras su muerte. Cosa muy distinta sucedió con uno de sus compañeros de movida, Layne Stanley, o sucederá cuando, dentro de muchos años espero, tenga lo que tenga que pasar con Eddie Vedder, Chris Cornell y compañía.

Avanzando un poco en el tiempo, tiempo en el que he crecido física, emocionalmente y, por supuesto, en conocimientos musicales, sí que ha habido muertes que me han afectado y afligido. Cuatro han sido las muertes de músicos que me han tocado la fibra, que me han hecho soltar alguna lágrima al escuchar sus canciones, que me han hecho revisar ávidamente sus obras con ansias de reconocer cualquier recoveco, cualquier momento que por insignificante no carezca de importancia en la historia de la música contemporánea. Estas cuatro muertes me han marcado de diferente manera, pero todas ellas son igual de importantes para mí. Tres de ellas voy a tratarlas en este post, la última, por no pertenecer al mundo del “rock” voy a dejarla fuera para quizás tratarla más adelante en un post independiente.


25-12-2009 VIC CHESNUTT

La primera de ellas llegó el 25 de diciembre del año 2009. No hacía mucho que conocía a Vic Chesnutt, de hecho lo conocí gracias @probertoj y uno de sus posts en hipersónica, pero ese día de navidad del año 2009 no se me olvidará jamás por esta trágica noticia (y por una electrocución con un árbol de navidad, todo sea dicho).

La fatalidad visitó por primera vez al bueno de Vic cuando cumplía 18 años, momento en el que un fatídico accidente de tráfico lo postró en una silla de ruedas para el resto de su vida. Sus ganas de vivir le dieron fuerzas para sobrevivir y salir adelante, permitiendo que unos elegidos, aquellos que tuvieron la suerte de conocer su obra mientras vivía, disfrutaran de la fuerza e intensidad de las composiciones del genio de la silla de ruedas e incluso pudieran verle en directo.

La depresión en que quedó sumido, no hay más que ponerse en la piel de un joven de 18 años que queda tullido para el resto de su vida, tiñeron su obra de una tristeza y rabia más que aparente. Varias etapas estilísticas dividen su obra, pero con un componente común, el cual se transforma en el vehículo utilizado por Vic para dar rienda suelta a su talento y frustración existencial: El Folk. Momentos introspectivos, rabiosos, optimistas, espirituales… momentos hubo para todo en su inmensa discografía (17 obras). Momentos para acompañarse de referentes de la música actual como Michael Stipe, Bill Corgan, Shirley Manson (ains como me pone esta fémina), ELF Power o los enigmáticos Godspeed You! Black Emperor.

Sinceramente, me sería casi imposible destacar momentos claves de su discografía, la cual no domino completamente debido a su extensión y profundidad, pero como probablemente alguno me pediréis alguna recomendación, voy a lanzarme a la piscina y citaré los dos discos suyos que mejor conozco:

      -  “Sweet Relief II: Gravity of the Situation”, disco en el que se acompaña de importantísimos artistas y amigos como Stipe, Madonna o Sparklehorse con el fin de recaudar fondos para una fundación que ayuda a artistas víctimas de enfermedades graves.

           -    “North Star Desert”. Disco en el que recurre a la distorsión para emocionar, montando al viajero en una montaña rusa que le llevará a conocer la bipolaridad de este trastornado genio. Este disco fue muy influenciado por los ya citados GY!BE, al escucharlo lo notaréis claramente.

    El dolor que sufría Vic no era sólo emocional. El accidente le paralizó dos piernas y varios dedos de su mano izquierda, hecho que no evitó que tocara la guitarra o el piano (de una forma peculiar, es cierto). Otra de las secuelas, y probablemente la que más marcó su estilo musical fue, su voz. A Vic le dolía cantar, y por ello su voz sonaba rasgada, emocionante, casi agónica a veces.
   
    Su identidad musical, al igual que su vida, quedó marcada por el accidente y sus secuelas. Su creciente fama no permitió a Vic ganar suficiente dinero para sufragar el tratamiento médico que necesitaba para paliar el incesante dolor que sufría. Las deudas le ahogaron y le llevaron a una decisión fatídica. El negro 25 de diciembre de 2009 decidió poner fin a su sufrimiento ingiriendo una ingente cantidad de medicamentos, la cual puso fin a su sufrimiento y cesó la posibilidad de que pudiéramos seguir disfrutando de este genial aunque bipolar y depresivo artista. 50.000 dólares dejó de deudas a ese demonio que es el sistema sanitario de Estados Unidos. A todos los demás nos dejó su obra.


  
   
     16-04-2010 RONNIE JAMES DIO

    El segundo artista del que quiero hablaros es conocido por todos, por lo que probablemente no sea necesaria una presentación muy extensa. Nos abandonó el año pasado, un año que por varios motivos marcará el resto de mi vida: dejé Francia regresando a España, viajé a Colombia por el motivo más fuerte que pueda haber y como colofón me casé con la que espero sea la mujer que me acompañe el resto de mi vida.

    Pasaba probablemente el mes de mayo más lluvioso que en la Mancha se recuerda cuando, el día 16, se apagó la cual yo considero voz fundacional del Heavy Metal. Ronnie James DIO, el “elfo” del metro sesenta de estatura, probablemente el creador de la estirpe de cantantes que continuaría con nombres como Bruce Dickinson, Michael Kiske, Hansi Kursch o, el para mí su heredero, Jorn Lande.

    La triste noticia fue todo un palo para mí ya que se podría decir que DIO fue una especie de “ídolo” infantil, como me imagino será para todo amante del metal perteneciente a mi generación. Aún recuerdo como,  con muy pocos añitos, a finales de los 80 mi padre compartía conmigo su pasión por la música dándome a conocer LPs como “Richie Blackmore’s Rainbow” u “On Stage”, discos de los míticos Rainbow y cuyas portadas he dibujado cientos de veces con los míticos “plastidecor”. Gracias a estos dos discos de Rainbow tuve la oportunidad de conocer al creador del más importante símbolo de la cultura metálica, \m/ , los cuernos con los que su abuela, de origen italiano, ahuyentaba a los malos espíritus. 

     El impacto de DIO en mi infancia supuso el germen de mi pasión por la música, aunque mi relación con su obra pasó por un tiempo de letargo hasta que adquirí la suficiente experiencia como para valorar como se debe el legado de este icono. Contaba con 18 años cuando cayó en mi poder un álbum doble en el que los artistas más representativos del género más en boga en ese momento, y el cual más escuchaba por aquel entonces, homenajeaban a DIO. El doble cd, el cual es para mí el mejor álbum tributo de la historia del metal, me dejó tan emocionado que despertó en mí un ansia irrefrenable por recuperar el tiempo perdido, por devorar la obra del mejor cantante del género desde su aparición. Grandes versiones de bandas referencia para mí en ese momento como eran Blind Guardian, Gamma Ray o Angel Dust me ayudaron a redescubrirle, haciéndome disfrutar con esas inmensas canciones y recordándome entrañables momentos de mi infancia.

    Desde entonces cada cierto tiempo retomo mi pasión por Ronnie dedicando días enteros a bucear entre sus discos, ya sean con Rainbow, Black Sabbath o sus obras en solitario, disfrutando con ellas como el primer día. ¿Qué 2 discos destacaría de entre todas sus referencias? Probablemente, y basándome en criterios más personales y emotivos que musicales, las obras de DIO de las que no podría prescindir jamás serían “On Stage” (1997) y “Heaven and Hell” (1980). 

    Por la importancia de la figura de este personaje en mi vida musical es por lo que ese 16 de mayo fue un día fatídico, el tercer día en toda mi vida en que me emocionaba al escuchar una canción de un artista que acababa de fallecer. Fue sin duda un día triste, pero la forma que tuvo de dejarnos, con un legado tan impresionante incluyendo el disco de reunión con Black Sabbath en el año 2009, supuso un motivo para no olvidarle nunca y tener siempre un motivo para volver a compartir horas y horas con su poderosa voz.



06-02-2011 GARY MOORE

Para finalizar este post de obituarios voy a acudir a la figura que ha generado probablemente mi fiebre melómana más reciente y la cual además es la causa de que me haya propuesto hablaros de mi relación con respecto a alguno de mis artistas favoritos. Obviamente podría estar días y días escribiendo sobre lo que este guitarrista, para mí uno de los mejores de la historia, ha supuesto para mi cultura musical, siendo la puerta de entrada a un estilo musical apasionante pero al que hasta hace bien poco he hecho muy poco caso. En un principio pensaba hacer un solo homenaje hacia él y luego citar quien es para mí su sucesor, pero conforme he ido pensando en cómo plantear el post he preferido dejarlo estructurado tal y como está ahora mismo: un homenaje a los 3 artistas fallecidos recientemente que más echaré de menos, incidiendo que éste último artista abrirá probablemente una serie de posts sobre el mundo que me ha dado a conocer, el cual me tiene fascinado estos días. 

Si soy sincero no conozco a Gary Moore desde hace mucho tiempo, es un caso casi opuesto a DIO. Obviamente siempre he sabido quién es pero por diversos motivos hasta hace un par de años más o menos no me puse nunca a conocer en profundidad su obra, hecho que hice motivado por lo que pude disfrutar al ver en directo en París a su heredero, el guitarrista Joe Bonamassa, del que ya he tenido la oportunidad de hablaros en alguna que otra ocasión. 

Hablando sin tapujos, hasta unos tres años atrás, siempre he tratado a Moore con bastante indiferencia, ya que como buen “80’s hater”, he desdeñado siempre todo lo que tiene que ver con el AOR y el Hard Rock ochentero. Ese prejuicio un tanto estúpido, todo hay que decirlo, es el que me hizo ignorar a este artista al que ahora tanto venero, básicamente porque su faceta rockera no me permitió conocer como era debido a su punto fuerte, el feeling bluesero de su guitarra. Si en su momento me hubieran preguntado por Moore no habría dicho jamás que era un bluesman, sino un rockero con baladas muy resultonas (así era mi desconocimiento hacia este señor).

Debido a este agravio al que he sometido al bueno de Gary desde que tengo uso de razón es por lo que me propongo reivindicar su importancia como figura fundamental en la música de las últimas dos décadas, siendo probablemente la figura más importante del blues europeo junto a sus precursores Eric Clapton, Jeff Beck y John Mayall, creadores para más inri del género que Gary desarrolló, el Blues Rock.

Como he dicho antes, la obra del guitarrista irlandés está dividida en tres etapas y dos estilos. Su entrada al mundo de la música fue de la mano de los que posteriormente serían sus compañeros en Thin Lizzy, aunque la figura que le dio el empujón necesario no fue otro que Jeff Green, guitarrista de Fleetwood Mac, el cual ejerció de padrino musical de Moore ayudándole a conseguir un contrato con la discográfica CBS, con la cual comenzaría su andadura como solista.

En los primeros años de su carrera musical se debatió entre tocar en solitario o dentro de una banda, participando en proyectos como Skid Row, Colosseum II, o los archiconocidos Thin Lizzy, todas bandas de Rock o Hard Rock. Llegado el año 1979, diferencias con la banda de su amigo Phil Lynott le llevaron finalmente a decantarse con crear su propio proyecto en solitario, siendo probablemente éste el momento más determinante de su carrera. 

Con llegada de la década de los 80 estrenó su rock melódico el cual le dio gran fama en las islas británicas. Discos como “Out in the Fields” (1985) o “Wild Frontier” (1986) le colocaron en primera línea, hecho que le reportó importantes beneficios y mayor libertad creativa al haber subido de forma exponencial su caché. 

El éxito y reconocimiento de esa etapa fue probablemente el punto en el que se apoyó para dar el salto al vacío y cambiar de forma tan importante su registro musical. Fue así, en 1990 cuando lanzó su primer disco puramente blues, el cual es además, el disco por el que Moore será recordado en la posteridad. “Still Got The Blues” (1990) supuso un gran éxito para el guitarrista, obteniendo reconocimiento de público y de la crítica, y siendo reconocido gracias a este LP como la nueva esperanza del blues europeo. 
La vía abierta por la referencia de 1990 supuso un cambio radical en su obra, cambio que se profundizaría en futuras referencias, como “After Hours” (1992), disco en el que se acompañó de figuras del blues de la talla de BB King o Albert Collins. Otro momento importante de esta etapa fue el disco homenaje que Moore hizo a Peter Green, su padrino, el cual grabó en 1995 y llamó “Blues for Greeny”. 

Con el paso del tiempo el reconocimiento de Moore no paró de crecer, al mismo tiempo que no paraba de profundizar en el Blues Rock, llegando a ser considerado artista de culto. En la década pasada no paró de girar ni de sacar álbumes, todos de una impecable factura y con el blues como eje creativo, sin olvidarse por momentos de su pasado e incluso del folk de su verde y húmeda Irlanda del Norte, siendo destacado probablemente “Close As You Get” (2007), disco en el que combinó temas propios con otros de músicos como John Mayall o Chuck Berry. 

Para lograr el status de mito Moore tenía todo menos una cosa. Contaba con una extensa discografía en la cual la calidad era nota predominante, tenía miles de seguidores en todo el mundo, los cuales le veneraban tanto por su etapa rockera como por la bluesera, y contaba con el reconocimiento crítico necesario para tomar una posición importante en la memoria musical colectiva. Lo único que le faltaba era, morir. 
El momento preciso para que su figura se convirtiera en mito llegó cuando el corazón del Blues Rock se paró mientras dormía el pasado 6 de febrero. La casualidad hizo que la muerte fuera a buscar a Moore mientras andaba de gira en el sur de España, por lo que vivió sus últimos días en la templada Málaga, muy lejos de la fría y húmeda Irlanda del Norte. Ese 6 de febrero su corazón se paró, pero el de su legión de seguidores dio un vuelco al conocer esta fatídica noticia, la cual convertía a Moore en leyenda e historia de la música europea. 

Personalmente para mí fue un día triste pues la muerte de Moore me afectó bastante ya que estaba en plena fase de “enamoramiento” hacia su obra, aparte de que su muerte me privó al igual que al resto de seguidores del guitarrista, de poder volver a disfrutar de un nuevo disco suyo. 

Pasado el tiempo aún recuerdo el día de su muerte, pero lo que más recuerdo y con lo que prefiero quedarme ahora mismo, es con los buenos momentos para los que Moore puso banda sonora y sobretodo, con el mundo por explorar cuyas puertas dejó abiertas para mí. Sin Moore artistas como Bonamassa, Kenny Wayne Shepherd o Johny Lang probablemente no habrían existido o se habrían dedicado a otra cosa. Solamente por ello ya hay que dar gracias por haber tenido la oportunidad de disfrutar del talento de un guitarrista como Gary Moore.



PD: Como os he dicho durante el artículo, probablemente abra una serie de post en los que hable de la discografía de bandas icónicas del blues rock. Os adelanto que el primero va a ser sobre The Allman Brothers Band y Gov’t Mule. 

Espero que os haya gustado el post. 

sábado, 30 de julio de 2011

¿Tienes calor? Apúntate a invadir Polonia


El Julio menos cálido que se recuerda nos deja estos días, y lo hace calentando el ambiente, como para recordarnos que el fresquete de todo este mes ha sido más un favor que otra cosa: 
Tomad un poco de solanera, flama y socarramiento insensatos, no olvidéis que lo del verano fresquete ha sido idea mía y era por vuestro bien.

El caso es que Julio se marcha y estos últimos días se ha propuesto recordarnos que cuando se pone, se pone.

Llamadme egoísta, pero como manchego a mí me encantan los veranos
como éste. Lo malo es que la foto es de Bilbao, desear algo asi en CR es Sci-fy.
Como el calor no es precisamente una de mis pasiones, ahora que el verano ha llegado y Lorenzo aprieta allí en lo alto, he decidido que me cojo un avión y me piro a Polonia. ¿Por qué Polonia? Pues porque allí el sol no calienta tanto, es un país bonito que siempre he querido visitar y porque es, probablemente, el país del que mejores bandas prog han salido estos últimos años. (Joer, soy un maestro hilando temas, ¿a que sí?).


UN PASEO POR POLONIA

Baile popular polaco, ¿o no?
Musicalmente hablando, Polonia es un país con una gran tradición, sobre todo en música clásica. Varsovia y Cracovia se convirtieron en parada obligada para las “giras” palaciegas de los maestros de la música clásica de los siglos XVIII y XIX junto con París, Praga, Viena y las grandes ciudades alemanas. La impronta de maestros como Beethoven, Mozart, Bach quedaron marcadas en la cultura musical polaca, dando como fruto al maestro del piano Chopin, el cual a pesar de morir con menos de 40 años tuvo tiempo de dejar obras cumbre de la música clásica como sus mazurcas, sus nocturnos y sus vals.

Como no estamos aquí para hablar de música barroca vamos a avanzar un poco en el tiempo, unos 2 siglos, no sea que se nos aburra el personal :P.

Es conocido por todos nosotros que la época dorada del prog fue entre 1965 y 1975. Pasados esos años el Punk y la protoelectrónica lo consumieron todo, haciendo muchísimo más daño a la imagenería musical de lo que supuestamente hizo el grunge a principios de los 90. Afortunadamente quedaron algunos locos que continuaron por la senda progresiva aunque aceptando algunos elementos aportados por la protoelectrónica. El híbrido resultante fue el neo-prog, estilo fundamentalmente ochentero, y de cuyos máximos exponentes tengo pensado hablaros en futuros posts. La influencia del neo-prog ha sido mucho mayor de lo que en un principio se pensaba, teniendo un éxito muy importante en varios países, siendo uno de los principales… POLONIA. Resultado del éxito del neo-prog en este país fue el nacimiento de la, quizás, banda madre de todas las bandas que vamos a tratar en este post: ANKH. Estos precursores tuvieron un gran éxito en los 90 añadiendo a su propuesta neo-prog otros elementos de la música de esa época (grunge) junto a elementos tradicionales polacos y, como no, música clásica. Ésta fue una banda de bastante éxito en su país, siendo el espejo en el que se miraban todas las bandas de las que voy a pasar a hablaros.

Sí, estos gañanes son los precursores del neo-prog polaco.
Increíble pero cierto.
Obviamente no podemos olvidarnos de otras importantes bandas polacas que, aunque no hagan prog, deben ser destacadas. Las mismas son Vader (maestros del Death Metal más pesado), Behemoth (abanderados del Black Metal no Escandinavo cuya obra incorpora muchos elementos del Death Metal) y Artrosis (banda de metal gótico que ablandó su sonido con el paso del tiempo conforme crecía su éxito comercial).

Una vez acabada esta interminable introducción vamos a lo que importa, el PROG POLACO ACTUAL y sus 6 ases.


RIVERSIDE

Son el máximo exponente de este estilo en su país y, probablemente, la banda de música polaca más famosa fuera de sus fronteras en la actualidad. Originariamente de Varsovia, comenzaron con un sonido oscuro y metalizado, casi metal gótico cercano en parte a los Opeth más atmosféricos, para ir modernizando poco a poco su sonido y enriqueciéndolo con muchos otros elementos más luminosos. Sus discos se han convertido en obras de culto, siendo el último, “Anno Domini High Definition” su mejor y más variada obra. Gracias a éste último disco han llegado a ser n°1 en su país, hazaña impensable en otro país para una banda similar en los tiempos que corren.




INDUKTI

Banda hermana de Riverside con la que compartieron sus primeros momentos en su natal Varsovia. La amistad entre bandas es tal que han llegado a compartir miembros, como se desprende de la participación de Mariusz Duda como vocalista en "S.U.S.A.R." disco de debut de Indukti, que data del año 2005. Tienen una propuesta más metalizada que Riverside e incorporan varios elementos de la música clásica y folk, como el omnipresente violín en su disco de debut. No han tenido gran éxito en ventas, pero sí en cuanto a crítica. En el año 2009 editaron "Idmen" el cual mantiene una línea similar a la ópera prima del grupo, pero sin la participación de Duda como cantante.



QUIDAM

Es la banda más madura de todas las que reseñaré en esta serie. Fueron precursores de todo este movimiento prog polaco junto con los anteriormente citados ANKH. Comenzaron en los años 90 con una propuesta muy cercana al prog clásico de King Crimson y Camel con la novedad de contar con una voz femenina al frente. La marcha de la misma provocó una reforma total en la banda modernizando su sonido y pasándose a un neo-prog enérgico con momentos melódicos muy cercanos al pop. Totalmente imperdible el DVD Live “Strong Together” (2010), grabado durante la gira de su anterior referencia “Alone Together” (2007).


VOTUM

Como los anteriores también proceden de Varsovia aunque son una banda notablemente más joven. Sus miembros proceden de bandas de Metal y Metal Gótico, hecho que marca claramente el sonido de la banda, sobre todo en su primera referencia, que data del año 2008 ("Time must have a Stop"). Al año siguiente, y gracias a las buenas críticas obtenidas, lanzaron "Metafiction", disco más atmosférico y progresivo que su antecesor, mostrando una banda madura que es capaz de conjugar con maestría atmósferas opresoras propias del gótico con el rock progresivo más moderno, acercando su propuesta a, nada más y nada menos, que Anathema con quienes han compartido escenario en su última gira. Banda muy recomendable.
VOTUM - FALLING DREAM
VOTUM - 20TH DECEMBER


DISPERSE

La revelación del año 2010, por encima de Haken según mi punto de vista, es esta joven banda originaria de Przeworsk cuyo debut maravilló a propios y extraños el año pasado (si recordáis bien los cité en mi TOP 2010). Con un sonido muy cercano a Dream Theater pero con la seña de identidad del prog polaco, rico en melodías, se marcaron uno de los mejores discos de Metal Progresivo de los últimos años. Banda a tener muy en cuenta en el futuro, sin duda, y más tras la exitosa gira de presentación de "Journey Through The Hidden Gardens", en la que han llegado a tocar con leyendas como Marillion.
DISPERSE - REFLECTION OF A DYING WORLD


MOONRISE

El último gran talento polaco en alcanzar notoriedad dentro de la escena prog es Kamil Konieczniak el cerebro tras Moonrise, quien a lo Juan Palomo se ha sacado de la manga dos discos impresionantes. Este multi-instrumentista ha sido capaz de sorprender a público y crítica con una propuesta totalmente deudora de bandas como Marillion, IQ y los proyectos de Steven Wilson. Totalmente recomendable su segundo disco “Souls Inner Pendulum” (2009), para cuya grabación decidió participar con músicos de estudio. Rica e intimista propuesta llena de matices cercanos al jazz en muchos momentos.

MOONRISE - AWAKENED


6 bandas han centrado este paseo por el prog polaco. Obviamente no están todas las que son ni son todas las que están, por lo que, si se me ha escapado algo, o bien conocéis algo digno de mención, ya sabéis, estamos para compartir. Espero que el “hamor” que un servidor y @nostromo tenemos por este país sea compartido por vosotros.

martes, 26 de julio de 2011

Ignorando al bárbaro de la mejor forma que sabemos: Hablando de música.


Mientras un indeseable, el cual ha cometido la mayor atrocidad en la historia de su país, está declarando ante un juez justificando sus execrables actos en base a unos argumentos propios de tiempos pasados y de otras latitudes (acercándonos a la autoritaria Alemania de la preguerra), un humilde servidor se propone, de forma modesta como siempre, poner un granito de arena para que se hable del país nórdico por algo más que por la barbarie cometida por este innombrable.

Todos con Noruega. Por una sociedad laica.
No le nombro ni pienso hacerlo para que su ego no se hinche más de lo que ha podido hincharse durante el fin de semana, en el que sus fotos y sandeces han ocupado espacios privilegiados en los medios de comunicación de todo el mundo. Espacios los cuales deberían ser ocupados en todo momento por llamadas a la esperanza, a la fraternidad, no por delirios fascistas de unas minorías opresoras capaces de asesinar a 100 personas ya que democráticamente no son capaces de imponer con argumentos sus, en todo caso, execrables ideologías.

El Mundo manipulando. ¿Alguien se sorprende?
Mi condena ante tal acto es profunda, al igual que lo es la que emito desde aquí ante irresponsables mensajes basados en odio y desconocimiento, vertidos desde medios de comunicación como el New York Times o el español El Mundo, mensajes manipuladores encaminados a alterar la percepción de los ciudadanos de los hechos acaecidos en las últimas horas.

Como no quiero alargarme demasiado ante estos hechos, los cuales deben permanecer en nuestra memoria para que no vuelvan a repetirse, mientras que mandamos al más profundo olvido a sus autores y sus motivaciones, os propongo que desde este pequeño rinconcito de la red hablemos del país en el que ha sido cometida esta catástrofe, pero desde un punto de vista totalmente distinto, y de un tema que une a todos los visitantes de esta bitácora virtual, LA MÚSICA.

Abrochaos los cinturones, nos vamos a Noruega a pasar la próxima MADRUGADA.

A esto suenan Madrugada
Evocador nombre el de esta banda, el cual les viene que ni pintado, pues su música es la banda sonora ideal para el epílogo, para el momento en el que el sol acaba de marcharse y la luna nos vigila desde arriba, para momentos en los que caminamos por ciudades desiertas bajo la luz de incontables farolas que guían nuestro camino, para infinitos paseos en coche bajo la lluvia siendo acosado por los faros de los autos que entran a la ciudad mientras nosotros la abandonamos. Sí, eso es Madrugada, la banda sonora para noches solitarias, momentos de reflexión e intimidad en los que caer rendidos en manos de las más bajas pasiones (alcohol, sexo…). Madrugada es un trago ardiente, un ambiente cargado de humo exhalado por decenas de fumadores empedernidos, la soledad en un bar de carretera. Es blues, es rock. Es, MÚSICA.

Si a cualquiera de los lectores del blog le preguntamos por Noruega jamás le vendrá a la cabeza una banda como ésta. Son noruegos, pero su música no lo es. Nada tienen que ver con sonidos tradicionales noruegos, con el black metal que puso a Noruega en el mapa musical, no hacen metal o rock progresivo ni rock gótico. Madrugada hacen blues, rock sureño compuesto mientras tempestades resoplan y caen nevadas interminables. Evocan la ruta 66, el sonido Memphis, a Nueva Orleans… Como podéis ver, estamos hablando de algo raro en su especie. Un grupo que te atrapa y no te suelta jamás.
Madrugada son como el Madrid de Zidane:
Lo mejor es el calvo

Las influencias de esta banda son múltiples ya que un paseo por su discografía puede llevarnos a diferentes estaciones de descanso en las que descansar y disfrutar de sonidos con carácter propio. Antes de entrar a hablar de sus discos y mostraros como suenan, os puedo adelantar que el espíritu de Jim Morrison está presente en la discografía de este grupo, acompañado por la voz de Nick Cave y Mark Lanegan, casi nada.


MADRUGADA – INDUSTRIAL SILENCE (2000)

El debut de la banda fue grabado en el año 1999 y finalmente lanzado con el comienzo del nuevo siglo. Se trata de un disco depresivo en el que destaca por encima del resto de elementos de la música de la banda la imponente voz de Sivert Hoyem, el crooner noruego. Guitarras eléctricas y acústicas acompañan a la áspera voz del cantante noruego creando un rock psicodélico y con empaque, propio de finales de la década de los 60. Todo un fenómeno en su país natal y un disco de culto con momentos álgidos como la apertura del disco con “Vocal”, “Beautyproof” o “Strange Colour Blue”. Imperdible disco, el cual no tiene ningún bajón.

Madrugada - Vocal
Madrugada - Strange Colour Blue


MADRUGADA – THE NIGHTLY DISEASE (2001)

La continuación de su disco debut no se hizo esperar, en parte gracias al éxito de la primera referencia, y, sobre todo, aprovechando el estado de gracia compositivo en que se encontraba la banda en ese momento. En este segundo álbum el sonido del grupo adquiere nuevos matices, iniciando un camino que continuaría en las siguientes obras hacia un sonido un poco más moderno pero sin abandonar sus raíces sonoras. La melancolía sigue siendo la nota dominante aunque quizás un poco más áspera que la encontrada en su disco de debut, siendo el sonido del disco un poco más crudo que el anterior y continuando con su línea poco accesible ante escuchas inquietas y poco calmadas. Difícil destacar un momento dentro del conjunto homogéneo que conforma el álbum, os dejo con el primer tema, el cual fue el primer single promocional de la referencia.

MADRUGADA – GRIT (2002)

El éxito de su segunda obra animó a estos noruegos a continuar su imparable ritmo del disco por año. Tras haber logrado un éxito impensable incluso para ellos mismos, se propusieron dar el salto definitivo, el de la salida de su país de origen e intentar conquistar el mercado europeo. Para lograr tan complicada empresa se trasladaron a Berlín a grabar el álbum contando con la participación del productor de PJ Harvey, intentando dar con la fórmula adecuada para alcanzar tan ambiciosas cotas. El resultado quizás no fue el esperado por la parroquia de seguidores de la banda, pero supuso otro pasito más hacia su consagración y hacia su sonido definitivo. A pesar de ser, desde mi punto de vista, la menos buena referencia de estos noruegos, no deja de ser un disco impresionante, marcado por completo por la probablemente más conocida canción de la banda, la imponente “Majesty”. En el año 2004 el disco fue reeditado en el Reino Unido, consecuencia de la creciente fama del combo noruego.

MADRUGADA – THE DEEP END (2005)

Tuvieron que pasar 3 años para que Madrugada nos regalara la continuación del exitoso aunque irregular “Grit”. En esos 3 años sucedieron bastantes cosas a la banda, pero la más importante fue que finalmente dieron con la tecla adecuada, encontraron la inspiración necesaria para componer un disco que les permitiera ser reconocidos en toda Europa. La clave fue, en parte, perder alguna de las señas de identidad del grupo, suavizando su sonido, eliminando en parte la aspereza de la voz de Sivert, concretando un poco más acortando la duración de cada uno de los cortes y, sobre todo, modernizando un poco el sonido haciéndolo, por primera vez, luminoso en algunos momentos. Esto no quiere decir que el disco lanzado en el año 2005 no sea reconocible dentro del conjunto de la obra de estos noruegos ya que es el resultado de una evolución continua, aunque sí es cierto que el cambio más radical en la evolución  se produjo en los 3 años de espera que precedieron a su lanzamiento.  Muchos dicen que es su mejor disco, yo personalmente me quedo con su debut, pero temazos como “Hold on to you”, “Running out of Time” o la Stipeiana (por su sonido cercano a REM) “The Kids are on High Street” me hacen dudar bastante. Lo que está fuera de toda duda es que es su lanzamiento más exitoso, prueba de ello fue la extensa gira que siguió a su lanzamiento, fruto de la cual fue el magnífico directo “Live at Tralfamadore” del año 2005.
Madrugada - Running out of time

MADRUGADA – MADRUGADA (2008)

Acabamos nuestro paseo por la discografía de la banda con su última obra. El fatídico 12 de Julio del año 2007, el guitarrista Robert Burâs fue encontrado muerto en su apartamento de Oslo, hecho que motivó la separación de la banda tras el lanzamiento de su último disco, el cual ya tenían grabado, a comienzos del 2008. Como si supieran que algo trágico iba a suceder, el sonido de la banda volvió a sumirse en la melancolía de sus primeros álbumes, aunque con la participación de los incontables elementos compositivos que se fueron incorporando en la vida de la banda. El resultado fue un álbum hipnótico y reflexivo con unas letras bastante interesantes, las cuales en algunos momentos parecen profetizar hechos que iban a acontecer en el futuro a la banda. Una gran despedida de la probablemente mejor banda de rock de su país y de una de las mejores de toda Europa. Sin lugar a dudas una pena el que ya no vuelvan a estar con nosotros. Afortunadamente tenemos su obra para recordarles y seguir disfrutando con momentos tan emotivos como “Whatever happened to You”, puramente rockeros como “The Hour of the Wolf” o hipnóticos como “Luck away Lucifer.
Madrugada -The Hour of the Wolf

Espero os haya gustado el post y os resulte interesante esta banda noruega. No tienen mucho que ver con los temas que hemos tratado hasta el momento, pero no tengo dudas de que os acabará gustando tanto como a mí. Os recomiendo ir disco por disco, con calma, saboreándolos, ya que no es una banda de una única escucha ni de canciones sueltas. Música ideal para amarse, para odiarse, para mirar al pasado con melancolía y al futuro con optimismo. Espero vuestros comentarios.